50 wirklich schreckliche Alben von brillanten Künstlern.

Von Andy Greene

„Es gibt kein großes Genie ohne einen Hauch von Wahnsinn.“ Der griechische Philosoph Aristoteles machte diese Beobachtung vor etwa 2.300 Jahren, lange bevor echte Genies wie Bob Dylan, John Lennon, Carole King, Elton John, Madonna und Prince ihm Recht gaben. Unter den vielen gefeierten Meisterwerken, die diese Künstler der Welt geschenkt haben, haben sie auch Werke geschaffen, die so monumental verdorben sind, dass nichts weniger als ein „Anflug von Wahnsinn“ ihre Existenz erklären kann.

Einige dieser Alben waren das Ergebnis von viel zu viel Kokain. (Elton, wir meinen dich.) Einige von ihnen entstanden aus dem Druck des Labels, durch die Schaffung kommerzieller Musik über den Kult hinauszuwachsen. (Hallo, Liz Phair.) Einige davon entstanden, bevor eine Band ihren wahren Sound fand (Pantera, verneige dich), während andere entstanden, lange nachdem sich wichtige Mitglieder getrennt hatten und die Band keinen irdischen Grund mehr hatte, noch zu existieren. (Husten-Genesis-Husten).

Ein großer Prozentsatz von ihnen war traurige Opfer schrecklicher Produktionsentscheidungen der Achtzigerjahre, insbesondere der düsteren Zeit von 1985 bis 1988, als Cheeseball-Synthesizer und Shotgun-Blast-Snaredrums einen Sound erzeugten, der schlimmer gealtert ist als ein übrig gebliebenes Thunfisch-Sardinen-Sandwich Sonne.

Unnötig zu erwähnen, dass Rockfans notorische Querdenker sind und das Müllalbum des einen der übersehene Klassiker des anderen ist. Wir sind sicher, dass es Leute da draußen gibt, die Elton Johns „Leather Jackets“, „Squeeze“ von Velvet Underground und „Speeding Time“ von Carole King lieben. Einige von Ihnen werden das Gefühl haben, dass wir den falschen Elvis-Filmsoundtrack ausgewählt haben oder dass wir verrückt waren, Tom Pettys „Let Me Up (I've Had Enough)“ oder „Muse Sick-n-Hour Mess Age“ von Public Enemy wegzulassen. (Uns gefallen beide Platten.) Es gibt auch keine U2-Platte, weil wir sie alle mögen, sogar Songs of Experience und October. Für manche sind das Kampfworte, und wir sind sicher, dass viele Leser mit dieser Liste ihre Probleme haben werden. Wahre Schwachsinnigkeit ist – ebenso wie wahre Größe – eine subjektive Qualität.

Haben wir sie bewertet? Das haben wir auf jeden Fall getan. Beginnend mit dem am wenigsten schlechtesten und herunterzählend bis zum historischsten Flop.

In den frühen Achtzigern jonglierte Pete Townshend mit einer Solokarriere, der schwierigen Zeit nach Keith Moon und einer ziemlich schlimmen Heroinsucht. Irgendwie fand er die Zeit, zwei herausragende Soloalben (Empty Glass aus den 1980er Jahren und All The Best Cowboys Have Chinese Eyes aus dem Jahr 1982) und die unterschätzte LP Face Dances von The Who aus dem Jahr 1981 aufzunehmen. Doch als es 1982 an der Zeit war, ins Studio zu gehen und „It's Hard“ aufzunehmen, war sein Vorrat an Liedern praktisch aufgebraucht. (Es sollte angemerkt werden, dass er während dieser ganzen Zeit das Beste für seine Soloalben aufgehoben hat.) Der Leadoff-Track „Athena“ war ein echter Radiohit, und „Eminence Front“ ist ein Meisterwerk, das seit 2010 im Live-Repertoire der Who ist letzten 40 Jahre. Der Rest von „It's Hard“ ist jedoch der absolute Tiefpunkt in der Karriere des Who. „One Life’s Enough“, „I’ve Known No War“, „Why Did I Fall for That“ und „Cooks County“ sind eindeutig das Ergebnis von Erschöpfung, sehr harten Drogen und einer vertraglichen Verpflichtung gegenüber Warner Bros. Records. Townshend selbst erinnert sich wahrscheinlich kaum daran, diese Platte gemacht zu haben, und die meisten Who-Fans haben hart daran gearbeitet, zu vergessen, dass sie existiert.

Nachdem Billy Joel 1977 mit „The Stranger“ endlich den Durchbruch schaffte, hatte er fast ein ganzes Jahrzehnt voller Erfolge und Hits, doch als es an der Zeit war, „The Bridge“ aus dem Jahr 1986 herauszuschneiden, wurde er rausgeschmissen. „Ich habe mich nicht wirklich darauf konzentriert, wieder zu schreiben und wieder aufzunehmen“, sagte er dem Rolling Stone im Jahr 2013. „Ich war gerade frischgebackener Vater, hatte gerade ein kleines Mädchen zur Welt gebracht und wollte einfach nur zu Hause bei meiner Familie sein.“ damals, aber es war Zeit, zurück ins Studio zu gehen. In Zusammenarbeit mit dem langjährigen Produzenten Phil Ramone hat er ein paar wirklich großartige Songs wie „A Matter of Trust“ und sein Ray Charles-Duett „Baby Grand“ herausgebracht, aber der Rest des Albums ist größtenteils lebloser Füller wie „Code of Silence“ und "Rückt näher." „Ich war nicht so begeistert davon, wieder ins Studio zu gehen, und die Band, mit der ich so lange zusammengearbeitet hatte, war von dem gesamten Prozess etwas entrechtet“, sagte er. „Sie waren wirklich nicht mehr Teil des kreativen Prozesses. Es entwickelte sich sozusagen zu einem Geschäft.“

Als der ursprüngliche Van Halen-Sänger David Lee Roth die Band 1985 verließ, holten sie einfach Sammy Hagar und füllten weiterhin die Hallen, erzielten Hits und verkauften millionenfach Alben. Schließlich handelt es sich hier um eine Gruppe, die nach dem Gitarristen und Schlagzeuger benannt ist. Warum sollte es wichtig sein, wer singt? 1998 mussten sie auf die harte Tour lernen, dass der Sänger eine große Rolle spielt, als sie Gary Cherone von Extreme als Ersatz für Hagar engagierten und Van Halen III schnitten. Dies war der Beginn der Teen-Pop-Ära und Rockbands der Siebziger/Achtziger waren bereits aggressiv uncool. Dennoch hätte ein anderer Song wie „Right Now“ theoretisch noch in den Charts landen können. Aber sie hatten kein anderes „Jetzt gerade“. Sie hatten Songs wie „Dirty Water Dog“, „Fire in the Hole“ und „How Many Say I“, die selbst Hardcore-Van-Halen-Fans kalt ließen. „Cherone hat als Sänger auf III eine Geschwindigkeit – schmerzhafte Anstrengung – und der langjährige Bassist Michael Anthony und der Schlagzeuger Alex Van Halen klingen, als würden sie in jedem Tempo schwerfällig“, schrieb Greg Kot vom Rolling Stone. „Wenn die Band heftig spielt, versinkt sie in einer Teergrube der Siebzigerjahre, wobei nur der Refrain von ‚Without You‘ irgendeine Art von Pop-Resonanz erreicht.“ Cherone verließ die Band kurz nach Abschluss der Van Halen III-Tour. Bei ihrer nächsten Tour war Hagar wieder vorne. Es war, als hätte Van Halen III nie stattgefunden.

Der Zufallshit „Touch of Grey“ von The Grateful Dead aus dem Jahr 1987 machte ihre Musik einer ganz neuen Generation von Fans bekannt und führte die Band von Arenen in Fußballstadien. Es hätte eine großartige Zeit für die Band werden sollen, aber Jerry Garcia steckte tief in der Drogenabhängigkeit und kämpfte mit den Folgen eines fünftägigen diabetischen Komas im Jahr 1986, das ihm beinahe das Leben gekostet hätte. Da Arista nach einem weiteren „Touch of Grey“ dürstete, begann die Gruppe Anfang 1989 mit der Arbeit an einem weiteren Album, „Built To Last“. Das Cover zeigt, wie sie ein aufwendiges Kartenhaus bauen, das kurz vor dem Zusammenbruch steht, was an dieser Stelle eine schöne Metapher für die Band ist. Die neuen Garcia/Robert Hunter-Kompositionen wie „Foolish Heart“ und „Standing on the Moon“ hinterlassen beim Hörer fast keine Wirkung, und den vier Songs mit Keyboarder Brent Mydland als Leadsänger geht es nicht besser. Das ist der Sound einer Band, die vom ewigen Touren erschöpft und stark auf Substanzen angewiesen ist. Mydland starb weniger als ein Jahr nach der Veröffentlichung von „Built to Last“ an einer Überdosis Drogen. Es war ihre letzte Platte und ist heute vor allem für die tragische Ironie des Titels bekannt.

Der Soundtrack zu Outkasts Film „Idlewild“ aus der Zeit der Depression sorgte bei seinem Erscheinen im Jahr 2006 für ziemlich starke Kritiken, aber das liegt wahrscheinlich daran, dass sich die Kritiker nach ihrer unglaublichen Erfolgsserie von „Southernplayalisticadillacmuzik“ aus dem Jahr 1994 bis „Speakerboxxx/The“ aus dem Jahr 2003 nicht einmal ein minderwertiges Album des Duos aus Atlanta vorstellen konnten Liebe unten. Es ist einer der beeindruckendsten Läufe in der Geschichte des Hip-Hop. Aber Idlewild ist ein ganz anderes Biest, und das nicht nur, weil es Swing, Blues, Jazz und Soul enthält, um der Zeit des Films gerecht zu werden. Je mehr Zeit vergeht, desto klarer wird, dass Idlewild das Produkt eines kreativ erschöpften Duos ist, das der Zusammenarbeit überdrüssig war und unbedingt getrennte Wege gehen wollte. Gäste wie Snoop Dogg, Macy Gray, Lil Wayne und Janelle Monáe versuchen, die Dinge aufzulockern, aber es gibt hier keinen einzigen Song im selben Universum wie „Miss Jackson“, „Rosa Parks“ oder „BOB“. Und selbst wenn Sie Ich habe mich 2006 dazu gezwungen, Idlewild zu mögen. Wann hast du es das letzte Mal angezogen? Sei ehrlich.

Willie Nelson ist eine Country-Ikone, aber im Laufe der Jahrzehnte hat er mit unterschiedlichem Erfolg mit Blues-, Jazz-, Folk- und Pop-Standards experimentiert. Aber nichts bereitete seine Fans auf „Countryman“ aus dem Jahr 2005 vor, bei dem er sich für Reggae entschied. Fairerweise muss man sagen, dass er mit den Jimmy-Cliff-Songs „The Harder They Come“ und „Sitting in Limbo“ gute Arbeit leistet. Aber das Konzept scheitert völlig an Reggae-Neuaufnahmen von Willie-Originalen wie „Darkness on the Face of the Earth“ und „How Long Is Forever“, die sich in einen schrecklichen Mittelweg zwischen Country und Reggae bewegen, den noch kein Künstler je gewagt hat. Toots Hibbert kommt vorbei, um mit ihm ein Cover von Johnny Cashs „I'm a Worried Man“ zu spielen, aber selbst er kann dieses Projekt nicht retten. „Nelsons Gesang klingt, als wären sie in einer anderen Welt als diese glatten, übermäßig herumgebastelten Instrumentalstücke“, schrieb Barry Walters vom Rolling Stone in einer Zwei-Sterne-Rezension. „Halten Sie nicht den Atem an für Willie in Dub.“

Es ist verlockend zu sagen, dass REM ihren Fokus verloren haben, nachdem Bill Berry 1996 die Band verlassen hatte, und dass sie nie wieder ein großartiges Album gemacht haben, aber das stimmt einfach nicht. Sie haben vielleicht aufgehört, eine kommerzielle Kraft zu sein, aber Platten wie Accelerate, Reveal, Collapse Into Now und sogar Up sind herausragende Alben, auch wenn sie nicht die absurden Höhen ihrer früheren Werke erreichen. Das einzige Mal, dass die Gruppe wirklich stolperte, war „Around the Sun“ aus dem Jahr 2004. „The Outsiders“ mit Q-Tip von A Tribe Called Quest zielt darauf ab, ihre KRS-One-Kollaboration aus „Out of Time“ von 1991 zu wiederholen, aber es fühlt sich gezwungen an. „Final Straw“ ist ein edler, wenn auch langweiliger Protest gegen den Irak-Krieg. Der Rest des Albums fühlt sich einfach faul an. Und wenn Sie uns nicht glauben, hören Sie sich die Band an. „[Es] war einfach nicht wirklich hörbar“, sagte Peter Buck 2008, „weil es sich wie das anhört, was es ist: ein Haufen Leute, denen das Material so langweilig ist, dass sie es nicht mehr ertragen.“

Als Metallica aufgrund von James Hetfields chronischem Alkoholismus, dem Ausstieg des Bassisten Jason Newsted und der Unsicherheit darüber, wo sie im Post-Napster-Musikuniversum standen, ihren absoluten Tiefpunkt als Band erreichten, holten sie ein Kamerateam, um die Entstehung zu dokumentieren ihre LP St. Anger. Daraus entstand der herausragende Dokumentarfilm „Some Kind of Monster“ und ein zutiefst enttäuschendes Album. Die Fans sind zu Recht auf die Entscheidung fixiert, Lars Ulrichs Snaredrum zu mikrofonieren, sodass es während des gesamten Albums so klingt, als würde er auf eine Blechdose hämmern, aber bei St. Anger gibt es tiefere Probleme. Die Songs sind unkonzentriert und scheinbar unvollendet, und die Texte direkt aus der Reha („I want my anger to be healthy“) hätten mehr Überlegung vertragen. Die Band wird sehr defensiv, wenn Fans oder Journalisten diese Themen ansprechen, aber ihre Setlists erzählen eine andere Geschichte. Sie haben weniger St. Anger-Songs auf Konzerten gespielt als auf jedem ihrer anderen Alben.

Dank MTV und ihren Hitsingles „Rock the Casbah“ und „Should I Stay or Should I Go“ wurden The Clash 1982 zu unerwarteten Popstars. Sie trennten sich jedoch kurz nach Veröffentlichung dieser Songs von Schlagzeuger Topper Headon aufgrund seiner Suchtprobleme und entließen etwa ein Jahr später Gitarrist Mick Jones aufgrund von Persönlichkeitskonflikten. Die verbleibenden Mitglieder Joe Strummer und Paul Simonon entschieden, dass dies eine gute Gelegenheit für sie darstellte: Sie wollten die Band neu starten, indem sie ein Album herausbrachten, das sie zu ihren Punk-Wurzeln zurückführte, obwohl Manager Bernie Rhodes darauf bestand, dass sie Synthesizer und Drumcomputer einbauten, um modern zu klingen. Das Ergebnis war das äußerst kompromittierte Album „Cut the Crap“, das weder New-Wave- noch Punk-Fans zufriedenstellte. Sie nannten es „Cut the Crap“, um ihre jüngste Pop-Vergangenheit zu verleugnen, aber Songs wie „This Is England“ und „Dirty Punk“ waren blasse Nachahmungen besserer Songs aus der Jones-Ära der Band. Die Gruppe trennte sich nach Abschluss der Cut the Crap-Tour.

Das einzige Genesis-Album, nachdem Phil Collins die Band verlassen und durch den schottischen Newcomer Ray Wilson ersetzt wurde, ist keine völlige Katastrophe. „The Dividing Line“ ist ein exzellenter Prog-Rock-Song; „Not About Us“ ist eine wunderschöne Ballade; und „Congo“, „Calling All Stations“ und „Shipwrecked“ haben alle ihre Momente. Doch dann gibt es noch peinlichen Schrott wie „Small Talk“, „Alien Afternoon“ und „Uncertain Weather“, der das Ganze in den Abgrund reißt. Ohne Collins oder den ursprünglichen Frontmann Peter Gabriel an der Spitze war dies eine Band ohne klaren Anführer oder Sinn. „Vielleicht hätte das Album besser sein können“, gab Wilson 2022 gegenüber dem Rolling Stone zu. „Wir hätten ein paar stärkere Songs auf dem Album haben können, wenn wir vielleicht etwas mehr Zeit und Zusammenarbeit gehabt hätten. Aber es ist, was es ist.“ ." Als die Platte ein voller Erfolg wurde, entließ die Gruppe Wilson und wartete etwa ein weiteres Jahrzehnt darauf, dass Collins zu einer nostalgischen Reunion-Tour zurückkehrte. Sie haben nie wieder eine Note neuer Musik aufgenommen.

Den Who wird oft zugeschrieben, dass sie die Konzeptplatte erfunden haben, aber The Kinks Are the Village Green Preservation Society kam sechs Monate vor Tommy in die Regale. Mit „Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire)“ im Jahr 1969 wurden die Kinks noch ehrgeiziger, und ihr Preservation-Konzept Mitte der Siebziger war so grandios, dass sie innerhalb von zwei Jahren zwei separate Alben brauchten. Doch mit „The Kinks Present a Soap Opera“ aus dem Jahr 1975 stießen sie an ihre Grenzen. Die Platte begann als Fernsehspiel über einen Rockstar, der mit einem normalen Kerl tauscht, damit er spüren kann, wie das Leben auf der anderen Seite ist. Es ist vollgepackt mit ablenkenden gesprochenen Dialogen und Liedern, die die Geschichte vorantreiben, aber kaum dazu beitragen, sich von der Masse abzuheben. „Musikalisch gibt es auf dem Album keine einzige wirklich auffällige Melodie, obwohl es viele langweilige, abgedroschene und vorgefertigte gibt“, schrieb John Mendelsohn vom Rolling Stone in einer brutalen Rezension. „Man könnte dieses Album durchaus als eine Sammlung von Liedern hören, die Ray [Davies] im Laufe der Jahre nicht aufgenommen hat, weil er wusste, dass er es viel besser machen könnte. Sicherlich hat er jedes hier dargestellte Thema an anderer Stelle unendlich viel eindringlicher behandelt.“

Die Monkees erlebten 1968 einen Einbruch ihrer Popularität, als ihr psychedelischer Film „Head“ an den Kinokassen ausverkaufte, ihre NBC-Sitcom abgesetzt wurde und Peter Tork die Band verließ. Aber sie machten als Trio weiter und brachten 1969 zwei solide Alben heraus, Instant Replay und The Monkees Present, mit von Michael Nesmith verfassten Country-Rock-Perlen wie „Listen to the Band“ und „Good Clean Fun“. Als Nesmith Anfang 1970 die Band verließ, hätten die verbliebenen Mitglieder Davy Jones und Micky Dolenz die Band wahrscheinlich aufgeben sollen. Aber sie schuldeten ihrem Label noch eine Platte. Sie nahmen „Changes“ mit dem Produzenten Jeff Barry auf und kehrten zu ihren Anfängen zurück, als sie lediglich für den Gesang sorgten und alles andere anderen überließen. Doch Songs wie „Ticket on a Ferry Ride“ und „Acapulco Sun“ fehlt die Magie ihrer frühen Hits. Das Ganze riecht einfach nach „Vertragsverpflichtung“, und Jones und Dolenz beendeten die Gruppe gnädig, als Changes es nicht schaffte, auch nur die Album-Charts zu belasten.

Prince befand sich 1996 mitten im Krieg mit Warner Bros. und er gab ihnen Chaos and Disorder, um die letzten Bedingungen seines Vertrags zu erfüllen. Auf der Rückseite des Albums befindet sich dieser Haftungsausschluss: „Diese Zusammenstellung war ursprünglich nur für den privaten Gebrauch gedacht und dient als letztes Originalmaterial, das von (The Symbol) 4 Warner Brothers Records aufgenommen wurde.“ Das CD-Booklet enthält Bilder eines in einer Spritze aufgerollten Dollarscheins und eines Herzens in einer Toilette. Wie man sich vorstellen kann, ist es schwierig, großartige Musik zu produzieren, wenn man glaubt, dass sie nur einem bösen Unternehmen zugute kommt, das man zerstören möchte. „Chaos and Disorder zeichnet sich durch seine Verwirrung aus; selbst der Titel gibt zu, dass sich die gebrochenen Teile des Albums nie zu einem thematischen Ganzen auflösen“, schrieb Ernest Hardy vom Rolling Stone in einer abfälligen Zwei-Sterne-Rezension. „Im besten Fall klingt die Platte wie eine Sammlung ausgefeilter Demos. Häufiger wirkt sie jedoch wie das Werk eines Prince-Imitators.“

Lindsey Buckinghams Entscheidung, Fleetwood Mac nach der Veröffentlichung von „Tango in the Night“ aus dem Jahr 1987 zu verlassen, war ein schwerer Schlag für die Band, aber sie konnten vorankommen, „Behind the Mask“ aus den 1990ern herausschneiden und danach erfolgreich touren. Doch ein paar Jahre später wurde es schwierig, als Stevie Nicks beschloss, dass auch sie aussteigen wollte. Das war wahrscheinlich der richtige Zeitpunkt, um Fleetwood Mac einfach eine Pause zu gönnen, aber Mick Fleetwood beschloss, weiterzumachen, indem er Bekka Bramlett – die 27-jährige Tochter des Duos Delaney und Bonnie Bramlett aus den frühen Siebzigern – für die Rolle der Nicks engagierte. Offensichtlich war dies ein hoffnungslos zum Scheitern verurteiltes Unterfangen. Das Album dieser Besetzung ist „Time“ aus dem Jahr 1995, das einige solide Christine McVie-Songs wie „I Do“ und „All Over Again“ enthält. Aber hier handelt es sich nur um Fleetwood Mac, und das Material ist bei weitem nicht stark genug, um seine Existenz zu rechtfertigen.

Kiss wussten zu Beginn der MTV-Ära nicht so recht, was sie mit sich anfangen sollten. Sie waren immer noch eine enorm beliebte Band, aber die Kritiker verachteten sie und viele ihrer Fans wechselten zu neueren Bands. In einem ziemlich verzweifelten Versuch, etwas Glaubwürdigkeit aufzubauen, trafen sie sich wieder mit dem Produzenten Bob Ezrin, der ihr bestes Studioalbum, „Destroyer“ von 1976, geleitet hatte, und schufen eine aufwändige Konzeptplatte über ein dystopisches Universum, in dem ein mutiger Held nur den Namen „Der Junge, der gegen das Böse kämpft“ trägt Kräfte. Es schien eine ziemlich sichere Sache zu sein, da Ezrin gerade Pink Floyds Opus The Wall aus dem Jahr 1979 produziert hatte, aber Kiss sind nicht Pink Floyd. Das Album wurde von der Rockpresse in Stücke gerissen und die verbliebenen Fans ignorierten es einfach. Die Band machte sich nicht einmal die Mühe, hinterher auf Tour zu gehen, und ein geplanter Elder-Film kam nie zustande. „Das war das einzige Mal, dass ich sagen würde, dass Kiss den Kritikern nachgegeben hat“, sagte Gene Simmons später. „Wir wollten einen kritischen Erfolg. Und wir haben den Verstand verloren.“

Pete Townshends Solokarriere hatte einen sehr guten Start mit seiner wenig bekannten Veröffentlichung „Who Came First“ aus dem Jahr 1972 und erreichte ihren Höhepunkt mit „Empty Glass“ aus den 1980er Jahren und „All the Best Cowboys Have Chinese Eyes“ aus dem Jahr 1982. Es gibt sogar schöne Momente in White City: A Novel aus dem Jahr 1985. (Spoiler-Alarm: Eigentlich handelt es sich nicht um einen Roman.) Aber Townshend stieß mit „Psychoderelict“ aus dem Jahr 1993 auf einen künstlerischen Eisberg und sank. Es handelt sich um eine Konzeptplatte über einen heruntergekommenen Rockstar aus den Sechzigern, der sich mit einem Boulevard-Musikreporter zusammenschließt, um seine Karriere wiederzubeleben. Zwischen vielen Liedern gibt es echte Dialoge dieser Charaktere und überall sind kleine Teile der Who-Klassiker „Who Are You“ und „Baba O’Riley“ verstreut, aber das Ganze führt zu einem langweiligen Durcheinander. Das Schlimmste ist, dass die Songs einfach nicht da sind. „English Boy“ und „Now and Then“ funktionierten auf der Bühne, als Townshend sie akustisch reduzierte, aber auf dem Album sind sie unter Synthesizern begraben. Townshend versuchte, Psychoderelict zu retten, indem er es ohne Dialoge erneut veröffentlichte, aber es war zu spät. Das Album war eine gewaltige Bombe. Es markierte auch das Ende seiner Solokarriere.

Dank externer Autoren und Songs wie „Love in an Elevator“ und „Rag Doll“ starteten Aerosmith auf dem Höhepunkt des Hair Metal der Achtziger ein äußerst unwahrscheinliches Comeback. Irgendwie wurden sie in der Grunge-Ära aufgrund von „Cryin“, „Crazy“, „Living on the Edge“ und der Anziehungskraft der Teenagerin Alicia Silverstone sogar noch beliebter. Doch als es an der Zeit war, „Nine Lives“ aus dem Jahr 1997 zu schneiden, waren sie aufgrund von Kämpfen mit ihrem Manager, Machtkämpfen und dem vorübergehenden Abgang von Schlagzeuger Joey Kramer aufgrund der Trauer über den Tod seines Vaters am Ende. Sie verdrängten auch den Columbia-A&R-Experten John Kalodner, obwohl er eine entscheidende Rolle bei der Planung ihres Comebacks gespielt hatte. Das Ergebnis waren sehr chaotische Sessions unter der Leitung von Journey-Produzent Kevin Shirley und mittelmäßige Balladen wie „Hole in My Soul“ und „Falling in Love (Is Hard on the Knees)“, die sich wie blasse Imitationen früherer Hits anfühlten. Schließlich holten sie Kalodner zurück, um zu versuchen, das Projekt zu retten, aber es war zu spät. Das Album verkaufte sich immer noch relativ gut und ein paar Jahre später folgte der Nummer-Eins-Hit „I Don't Want to Miss a Thing“, aber Nine Lives ist furchtbar gealtert. Wenn Sie an uns zweifeln, probieren Sie „Ain’t That a Bitch“ oder „Taste of India“ aus.

Devo waren gerade einmal 10 Jahre von „Whip It“ entfernt, als sie 1990 mit der Arbeit an Smooth Noodle Maps begannen, aber es muss sich wie eine Ewigkeit angefühlt haben. Dass es ihnen nicht gelang, einen weiteren Radiohit zu landen oder im MTV-Zeitalter wirklich Anklang zu finden, kostete sie ihren Vertrag bei Warner Bros., nachdem Shout 1984 Platz 83 erreichte, und ihr Wechsel zum Indie-Label Enigma trug wenig dazu bei, ihr Glück wiederzubeleben. Das Album der Gruppe aus dem Jahr 1988, Total Devo, stieg nicht höher als auf Platz 189, und die meisten Fans wussten kaum, dass es existierte. Sie versuchten es noch einmal mit Smooth Noodle Maps, aber zu diesem Zeitpunkt waren sie so niedergeschlagen, dass sie einen der Songs „Devo Has Feelings Too“ nannten. Das Album versuchte, Devos Musik mit Elementen des zeitgenössischen Dance-Pop zu füllen, aber es funktionierte einfach nicht. Schauen Sie sich als Beweis ihre triste Interpretation des Bonnie-Dobson-Folk-Klassikers „Morning Dew“ an. Mark Mothersbaugh widmete bereits einen Großteil seiner Zeit Fernseh- und Filmprojekten, als Devo diese Platte aufnahm, und es hört sich an, als wäre er mit den Gedanken eindeutig woanders gewesen. Das Album schaffte es nicht einmal in die Album-Charts und sie versuchten es erst 2010 mit einem weiteren Album.

Liz Phair geriet in eine sehr unangenehme Lage, als das Indie-Kraftpaket Matador Ende der Neunziger von Capitol geschluckt wurde. Plötzlich war der Indie-Singer-Songwriter hinter so angesehenen Werken wie „Exile in Guyville“ und „Whip-Smart“ bei einem großen Label. Der Beifall der Kritiker war ihnen egal. Sie wollten nur Hits. Da sie das Gefühl hatte, keine andere Wahl zu haben, engagierte Phair das Songwriting- und Produktionsteam The Matrix. Sie hatten gerade mit Avril Lavigne an ihren Durchbruchshits „Complicated“ und „Sk8er Boi“ gearbeitet und arbeiteten anschließend mit Britney Spears, Shakira und Ricky Martin zusammen. Um es gelinde auszudrücken: Das passte alles andere als perfekt. „Es ist traurig, dass ein so bahnbrechender Künstler wie Phair auf billige Werbegags und hyperkommerzialisierten Teenie-Pop reduziert wird“, schrieb Pitchfork in einer 0,0-Sterne-Rezension, die so vernichtend war, dass sie sich schließlich dafür entschuldigten. „Aber dann ist dies ‚das Album, das sie schon immer machen wollte‘ – eines, in dem all ihre Macken und Einschränkungen in altbewährten Klischees aufgehen, und letztendlich eines, das genauso gut gar nicht existieren könnte.“

Weezer haben seit ihrem Wiederauftauchen um die Jahrtausendwende mit dem Green Album einige kreative Fehltritte gemacht, aber zumindest die Mängel von Alben wie OK Human, The Black Album und Pacific Daydream leiden unter den Mängeln von Weezer allein oder darüber hinaus Songwriter, die die Weezer-Ästhetik teilen. Bei Raditude aus dem Jahr 2009 holten sie Dr. Luke, Lil Wayne, Jermaine Dupri und andere von weit außerhalb der Bandwelt in einen transparenten Versuch, wieder in die Top 40 des Radios einzusteigen. „(If You're Wondering If I Want You To) I Want You To“ – Co-Autor von Butch Walker – sorgt für einen überraschend guten Start des Albums, der jedoch zusammenbricht, als Dr. Luke für „I‘“ auf die Party kommt. „m Your Daddy“ und versinkt im Abgrund, als Lil Wayne und Dupri für „Can’t Stop Partying“ ins Bild kommen. Ein eingefleischter Weezer-Fan zu sein bedeutet, in fast jedem Album, das sie machen, Dinge zu finden, die man hassen kann, aber die Band hat ihren Anhängern noch nie annähernd so viel Munition gegeben, die sie gegen sie einsetzen können.

1978 lernten die Bee Gees und Peter Frampton mit ihrer Verfilmung von Sgt. auf die harte Tour. Pepper's Lonely Hearts Club Band, dass ein Beatles-Film voller neu aufgenommener Fab-Four-Klassiker eine sehr, sehr schlechte Idee ist. Aber nur sechs Jahre später dachte Paul McCartney, dass es funktionieren könnte, wenn ein echter Beatle singen und schauspielern würde. Er hatte Unrecht. In „Give My Greetings to Broad Street“ spielt McCartney eine Bizarro-Land-Version von sich selbst und versucht, gestohlene Masterbänder für ein Album aufzuspüren. Hin und wieder trifft er sich mit seinem alten Kumpel Ringo oder hat einen sehr, sehr langweiligen Traum, der nie zu enden scheint. Der Soundtrack enthält überarbeitete Versionen von „Yesterday“, „Good Day Sunshine“, „Here, There and Everywhere“ und anderen Beatles-Songs. Das Problem ist, dass niemand so etwas verlangt hat. Man kann die Originale nicht verbessern, insbesondere nicht mit den Produktionsmethoden von 1984. Das Ganze ist nur ein völlig fehlgeleitetes Durcheinander, das keinen irdischen Grund hat zu existieren.

Joni Mitchell stellte für ihre LP „Dog Eat Dog“ aus dem Jahr 1985 eine beeindruckende Reihe von Mitstreitern zusammen, darunter Thomas Dolby, Michael McDonald, Don Henley, Wayne Shorter, Steve Lukather und James Taylor, aber ihre gemeinsamen Bemühungen ergeben eine generische Synth-Pop-LP das trägt wenig zur Differenzierung bei. Mitchell nimmt Ronald Reagan, Fernsehprediger und die Gier der Konzerne ins Visier, aber die Songs werden durch die antiseptische Achtzigerjahre-Produktion und ihre verblüffende Entscheidung, keine Gitarre zu spielen, getrübt. „Es ist enttäuschend, dass ihre Gesellschaftskritik nach dreijährigem Schweigen lediglich die Art von unblutigen liberalen Predigten ist, die man von Rush erwarten würde“, schrieb Rob Tannenbaum im Rolling Stone. „Wenn Joni über die Gläubigen hinausgehen will, die diese LP kaufen, um ihre Sammlung zu vervollständigen, warum ist Dog Eat Dog dann ein so unangenehmes Hörerlebnis?“

Die zehn Jahre zwischen ihrem Klassiker „At Fillmore East“ aus dem Jahr 1971 und „Brothers of the Road“ müssen sich für die Allman Brothers Band wie eine Ewigkeit angefühlt haben, da der Gitarrist Duane Allman und der Bassist Berry Oakley hintereinander gestorben sind und es zu einer Trennung und Wiedervereinigung kam der folgenden Band. 1981 befanden sie sich immer noch in einer fragilen Verfassung, nachdem ein wichtiges Mitglied aufgrund des Ausscheidens von Schlagzeuger Jaimoe verloren gegangen war, und doch glaubte Clive Davis irgendwie, dass sie in der Lage wären, Hit-Singles für Arista herauszubringen. Das erklärt den Glanz von Brothers of the Road und das Fehlen ihres charakteristischen Doppelgitarren-Angriffs. „Brothers of the Road ist mehr als jede andere LP mit dem Namen der Allman Brothers auf Singles ausgerichtet“, schrieb Robert Palmer im Rolling Stone. „Das charakteristische Zwei-Gitarren-Zusammenspiel der Gruppe wurde auf den meisten Tracks auf knappes Füllmaterial reduziert, und es gibt auch keine der bekannten instrumentalen Rave-Nummern der Band.“ Mit anderen Worten: Dies war eine Band mit einer Identitätskrise, die vergeblich versuchte, sich an eine neue musikalische Ära anzupassen. Es hat nicht funktioniert.

Run-DMC ist zweifellos eine der wichtigsten Gruppen in der Rap-Geschichte und ihre vier Achtziger-Alben sind praktisch makellos. Aber die Hip-Hop-Welt erlebte in den Neunzigern dank Public Enemy, NWA, Jay-Z und Eminem seismische Veränderungen, und Run-DMC schien wie Relikte aus einer fernen Vergangenheit, trotz Platten wie „Back From Hell“ aus den 1990ern und „Down With the“ aus den 1993ern King, wo sie ihr Bestes taten, um mit den Trends Schritt zu halten. Im Jahr 2001 entschieden sie, dass die einzige Möglichkeit, das TRL-Publikum für sich zu gewinnen, darin bestand, Fred Durst, Sugar Ray, Kid Rock, Overland, Fat Joe, Method Man und Stephan Jenkins ins Studio zu holen. Auf fast jedem einzelnen Crown Royal-Track gibt es einen Gast, aber niemand wollte den Third Eye Blind-Typen mit Run-DMC singen hören. Das Album schlug ein und die Gruppe endete tragisch im darauffolgenden Jahr, als Jam Master Jay ermordet wurde.

Madonnas Schaffen von ihrer Debüt-LP aus dem Jahr 1983 bis hin zu „Music“ aus den 2000er Jahren ist eine der beeindruckendsten Serien in der Geschichte der Popmusik. Mit praktisch jedem Album vollzog sie stilistische Veränderungen im Bowie-Stil, blieb aber immer auf dem Laufenden und verlor nie ihre Fähigkeit, Hits zu generieren. Mit „American Life“ im Jahr 2003 fand all das ein jähes Ende. Auf dem Album, das Wochen nach Beginn des Irak-Krieges veröffentlicht wurde, sieht sich Madonna mit einer Welt nach dem 11. September konfrontiert und mit dem Wunsch, über narzisstische Wünsche hinauszukommen. „I used to live in a tiny bubble“, singt sie bei „I'm So Stupid“. „Und ich wollte wie all die hübschen Menschen sein, die um mich herum waren. Aber jetzt weiß ich mit Sicherheit, dass ich dumm war.“ Das sind edle Gefühle, aber die Musik entstand zu einer Zeit, als sie gerade erst lernte, Gitarre und Rap zu spielen. Ihre Fähigkeiten in beiden Bereichen waren eher rudimentär, und ihre Entscheidung, mit dem französischen Technoproduzenten Mirwais Ahmadzaï zusammenzuarbeiten (der bei der erfolgreicheren „Music“ mit an Bord gewesen war), fügte noch ein weiteres Element hinzu, das dazu führte, dass das gesamte Projekt hoffnungslos durcheinander geriet, obwohl es nicht einfach war geradezu peinlich. Die Welt im Jahr 2003 hatte wenig Verwendung für die Rapperin Madonna. Als sie sich für „Confessions on a Dance Floor“ 2005 wieder der Tanzmusik zuwandte, war das ein stillschweigendes Eingeständnis, dass sie einen schrecklichen Fehler gemacht hatte.

Neil Young hat im Laufe der Jahre viele ehrgeizige Projekte in Angriff genommen, aber keines war so grandios wie sein Versuch, die Welt vom Verbrennungsmotor zu befreien, indem er seinen Lincoln Continental von 1959 in ein vollelektrisches Fahrzeug umwandelte und so ein Modell für Automobilhersteller auf der ganzen Welt schuf Globus. Damals war es schwierig, ihn dazu zu bringen, über etwas anderes zu sprechen, und er machte ein ganzes Album über diese Bemühungen mit Songs wie „Fuel Line“, „Off the Road“ und „Hit the Road“, die schnell miteinander zu verschwimmen begannen. Der Tiefpunkt ist „Cough Up the Bucks“, wo er sich mit der Gier der Konzerne auseinandersetzt. „Es geht nur um mein Auto“, singt er. „Hust das Geld aus/Hust das Geld aus/Es geht nur um mein Auto/Hust das Geld aus/Hust das Geld aus.“ Als er es 2008 während eines notorisch langen Madison Square Garden-Konzerts mit acht Songs aus dem Album und einem Outtake spielte, schliefen eine Handvoll Leute buchstäblich ein.

Lil Wayne ist ein Hip-Hop-Genie. Doch mit „Rebirth“ im Jahr 2010 musste er auf die harte Tour lernen, dass sich seine Fähigkeiten nicht auf die Welt des Rock'n'Roll übertragen ließen. Mit drei aufeinanderfolgenden Tha-Carter-Alben hatte er eine lange Siegesserie hinter sich und war mit Hits wie „Lollipop“ und „Got Money“ in den Top 40 der Radiosender vertreten. Das bedeutete jedoch nicht, dass seine Fans hören wollten, wie er gepaart mit Rockgitarren und Schlagzeug klingen würde, selbst wenn Eminem und Nicki Minaj dabei waren. „Er stottert und jammert über Tracks voller Aggro-Stampf und langweiligem Riffing“, schrieb Christian Hoard vom Rolling Stone. „Es hört sich an, als hätte er sich mit einem Haufen Spymob- und Incubus-Platten versteckt. Wayne knurrt wie ein Auto-Tuned Kid Rock auf dem stolzen ‚American Star‘.“ Aber der hyperclevere Wayne, den wir kennen, fehlt in dem gequälten Brustklopfer „Runnin“. Er streckt sein Krächzen bei „I'll Die for You“ bis über die Grenze der Zerreißprobe hinaus, wie eine Version von Neil Young aus der Trans-Ära des 21. Jahrhunderts: ein stimmlich herausgefordertes Genie, das in der Schwebe steckt.“

Cheap Trick produzierte in den frühen Achtzigern einige wirklich großartige Alben, aber keine ihrer Singles erreichte die Top 40 und die Geduld ihres Labels Epic begann sehr zu schwinden. 1986 holten sie den Produzenten Tony Platt mit dem Ziel, eine moderner klingende Platte zu schaffen. Das bedeutete natürlich Schichten kitschiger Synthesizer und elektronischer Drums auf jedem einzelnen Track. Der Impuls ist verständlich, da Don Henley, Steve Winwood, Elton John, Rod Stewart und andere Stars der Siebziger mit der gleichen Formel große Erfolge erzielten, aber bei Cheap Trick funktionierte es einfach nicht. Sie hatten keinen einzigen eingängigen neuen Song zum Aufnehmen, und Tiefpunkte wie „The Doctor“, „Rearview Mirror Romance“ und „Kiss Me Red“ machen deutlich, dass ihnen dieses Projekt überhaupt nicht am Herzen lag. Sie berühren fast nie einen der Songs im Konzert, und der einzige wirkliche Grund, The Doctor heute zu spielen, besteht darin, zu hören, wie beschissen eine „moderne“ Platte im Jahr 1986 klingen konnte.

Die Doors waren noch junge Männer, als Jim Morrison 1971 in Paris starb. Sie steckten auch tief in einer Sammlung von Liedern, die sie mit ihm aufnehmen wollten, wenn er in die Staaten zurückkehrte. Also beendeten sie das, was sie als Trio hatten, und veröffentlichten es als neues Doors-Album, Other Voices, mit Ray Manzarek und Robby Krieger, die sich die Lead-Gesangspflichten teilten. Sie hätten wahrscheinlich aufhören sollen, als klar wurde, dass die Öffentlichkeit kein Interesse an Doors ohne Morrison hatte, aber es gelang ihnen, ein weiteres Album aufzunehmen, „Full Circle“ von 1972. Es ist eine seltsame Mischung aus R&B, Jazz, Psychedelia und Rock, die nie zu etwas Originellem erstarrt. Es gibt auch ein verblüffendes Cover von „Good Rocking Tonight“, das sie in „Good Rockin‘“ umbenannt haben. Nichts davon funktioniert. Die Gruppe traf die logische Entscheidung, sich kurz nach der Veröffentlichung von „Full Circle“ aufzulösen, und sorgte dafür, dass die Veröffentlichung mehrere Jahrzehnte lang vergriffen war. Nur wenige Fans beschwerten sich.

Zwölf Jahre nach Tapestry tat sich Carole King für ein neues Album wieder mit dem Produktionsteam bestehend aus Lou Adler, Schlagzeuger Russ Kunkel und Gitarrist Danny Kortchmar zusammen. Doch anstatt eine weitere zeitlose Songsammlung zusammenzustellen, versuchten sie, mit den New-Wave-Bands der frühen Achtziger zu konkurrieren. Das Album beginnt mit dem stöhnenden „Computer Eyes“ („Don’t want to program making love/ I like it real and with emotions“) und wird von da an nur noch schlimmer, einschließlich eines sinnlosen Remakes von „Crying in the Rain“, „ein Lied, das sie zwei Jahrzehnte zuvor für die Everly Brothers geschrieben hat. Das Album schaffte es nicht einmal in die Charts, was für King eine Premiere war, und es sollte weitere sechs Jahre dauern, bis sie überhaupt einen Versuch unternahm.

Die Entscheidung, Paul Rodgers zu Queen zu holen, ergab bereits im Jahr 2005 einen gewissen Sinn. Gitarrist Brian May und Schlagzeuger Roger Taylor brauchten dringend einen Sänger, und Rodgers hatte keine Band, da Bad Company eine Pause einlegte. Die Bündelung der Kräfte bot die Chance, eine übergroße Stadionshow zusammenzustellen, die Queen-Klassiker mit Rodgers-Standards wie „All Right Now“ und „Feel Like Makin‘ Love“ mischte. „Er war sein eigener Herr“, sagte Taylor, als die Partnerschaft zu Ende ging. „Er gehörte in den Blues-Soul-Bereich, in dem es keinen Besseren gab. Unser Zeug ist wahrscheinlich etwas zu vielseitig.“ Das ist eine höfliche Art zu sagen, dass er „Bohemian Rhapsody“ nicht überzeugend singen konnte, ohne dass das Ganze einfach nur lächerlich wirkte. Aber zu diesem Schluss waren sie noch nicht ganz gekommen, als Queen + Paul Rodgers 2008 das Studio betraten, um „The Cosmos Rocks“ aufzunehmen. „Unter Rodgers‘ Kommando beschwört Cosmos Rocks einen unvergesslichen Abschnitt des Autoradios herauf, mit langsamen Songs wie ‚Say It's Not True‘, die an Air Supply erinnern“, schrieb Christian Hoard vom Rolling Stone. „Die Classic-Rock-Klischees sind nicht nur Rodgers‘ Schuld: Ursprüngliche Bandmitglieder halfen beim Schreiben von Tracks wie ‚Still Burnin‘, einem generischen Bar-Band-Jam mit lyrischen Kastanien wie ‚Musik bringt die Welt in Bewegung‘.“ „Die Gruppe trennte sich kurz nach The Cosmos Rocks von Rodgers. Mit Adam Lambert an der Spitze der Band schnitten sie weitaus besser ab, aber sie haben noch keine neue Musik aufgenommen. Vielleicht haben sie ihre Lektion mit The Cosmos Rocks gelernt.

In den frühen Achtzigern war George Harrison ein halb pensionierter Musiker, dessen Hauptinteressen Autorennen und Filmproduktion waren. Aber er schuldete Warner Bros. noch ein letztes Album in seinem Vertrag, bevor er sich voll und ganz diesen Unternehmungen widmen konnte. Das Ergebnis war Gone Troppo, eine überaus halbherzige Platte, angetrieben von Synthesizern und leichten, poppigen Songs wie „Wake Up My Love“ und „That’s the Way It Goes“, die kam und ging, ohne dass die meisten Fans überhaupt merkten, dass sie existierten. „So beiläufig und luftig, dass es völlig substanzlos ist“, schrieb Steve Pond in einer Zwei-Sterne-Rezension des Rolling Stone, „besteht die LP aus Wegwerfliedern, Instrumentalfragmenten und formelhaften Liebesliedern.“ Harrison verbrachte das nächste halbe Jahrzehnt abseits der musikalischen Bühne, kam aber 1987 dank Produzent Jeff Lynne, ihrem Cover von „I Got My Mind Set on You“ und der Gründung der Traveling Wilburys stark zurück. Zu diesem Zeitpunkt war Gone Troppo eine vergessene Fußnote.

Es ist nicht einfach, Lou Reeds schlechtestes Album auszuwählen, wenn man bedenkt, dass dies der Mann ist, der uns Metal Machine Music, Sally Can't Dance und Lulu beschert hat, aber wir haben uns letztendlich für Mistrial aus dem Jahr 1986 entschieden. Die kolossale Fehlzündung erfolgte nach einer Reihe starker Alben in den frühen 1980er-Jahren und brachte nichts hervor, was auch nur annähernd an einen Hit erinnerte. Reed hatte auf seinem vorherigen Album, New Sensations aus dem Jahr 1984, versucht, einen kommerzielleren Sound zu erzielen, und es hatte ziemlich gut funktioniert. Mistrial hatte auch einen modernen Sound. Dieses Mal jedoch waren die Songs, die er geschrieben hatte, einfach nur scheiße. Um die Sache noch schlimmer zu machen, dachte er, die Welt sei bereit, ihn auf (Stöhnen) „The Original Wrapper“ rappen zu hören. „Weiß gegen Weiß, Schwarz gegen Jude“, rappt er. „Es scheint, als wäre es 1942/Das Baby sitzt vor MTV/Guckt sich Gewaltfantasien an/Während Papa bei seinem Lieblingssport Bier trinkt.“ An anderer Stelle auf dem Album tritt er gegen gewalttätige Filme an und klingt am Ende wie ein Mitglied der konservativen PMRC. „Den Block runter in irgendein örtliches Theater“, singt er. „Sie packen sich bei der 13. Enthauptung in den Schritt./Während die Toten auferstehen, um zu leben, sinken die Lebenden, um zu sterben/Die Strömungen sind tief und toben im Inneren.“ Reed erholte sich 1989 mit „New York“ wieder und hinterließ Mistrial, eines der am meisten vergessenen Alben in seinem notorisch uneinheitlichen Katalog.

Unmittelbar nach seinem Erfolgshit „Let's Dance“ aus dem Jahr 1983 erlebte David Bowie eine große kreative Kältewelle und brachte unterdurchschnittliche Alben wie „Tonight“ und die beiden Tin Machine-Veröffentlichungen heraus, die selbst seine eingefleischtesten Fans äußerst enttäuschend zurückließen. Doch der klare Tiefpunkt war 1987 „Never Let Me Down“. „Mein Tiefpunkt war Never Let Me Down“, sagte er 1995. „Es war so ein schreckliches Album. Ich hätte mir wirklich nicht einmal die Mühe machen sollen, ins Studio zu gehen, um es aufzunehmen. Tatsächlich frage ich mich, wenn ich es spiele Das habe ich manchmal getan. Die Platte ist ein Schaufenster der schrecklichen Produktionsentscheidungen der Achtzigerjahre. Bowie spielte nach der ersten Tournee nie mehr einen einzigen Never Let Me Down-Song im Konzert und überarbeitete „Time Will Crawl“ komplett mit Live-Schlagzeug und moderner Instrumentierung, als er 2008 die Compilation iSelect zusammenstellte. „Oh“, schrieb er in den Liner Notes, „den Rest des Albums noch einmal zu machen.“ Zwei Jahre nach seinem Tod tat Produzent Mario McNulty genau das für eine Box mit Bowies Werken aus den Achtzigern.

Kurz nachdem sich Musikmanager Tony DeFries von David Bowie getrennt hatte, traf er auf einen Jungen aus Indiana namens John Mellencamp, der davon träumte, berühmt zu werden und mehrere Jahre in der Bar-Band-Szene hinter sich hatte. Er benannte ihn in Johnny Cougar um, sicherte sich einen Vertrag mit MCA und produzierte eine Platte voller Coversongs wie „Oh, Pretty Woman“ und „Jailhouse Rock“. Er erzählte der Presse auch, dass er einen neuen Bruce Springsteen entdeckt habe. Kritiker waren anderer Meinung. „Johnny Cougar ist ein komisch unfähiger Sänger, der sich leider selbst ernst nimmt“, schrieb John Swenson in einer brutalen Rolling-Stone-Rezension. „Sein Debütalbum ist voller lächerlicher Posen, die nichts untermauern … nur ein weiterer fertiger Pop-Wegwerfartikel.“ Das Album schaffte es nicht einmal in die Billboard 200, MCA ließ ihn schnell fallen und er kehrte nach Indiana zurück, weil er dachte, er hätte seine Chance auf Erfolg vertan. Nur ein paar Jahre später änderte sich alles, als er nach London zog und mit „I Need a Lover“ einen Hit landete.

Michael Jackson hatte in den Achtzigern wenig künstlerischen oder kommerziellen Nutzen für seine Brüder, aber er fühlte sich verpflichtet, sich ihnen für das enttäuschende Victory von 1984 anzuschließen. Er brachte sie sogar 1984 auf Tour, als er logischerweise als Solokünstler in Stadien hätte auftreten sollen. Als es an der Zeit war, 2300 Jackson St. aus dem Jahr 1989 zu schneiden, war Michael nicht bereit, mehr als Gesang zum schmerzhaft zuckersüßen Titeltrack beizutragen. Den Rest erledigten seine Brüder und erstklassige Mitarbeiter wie Diane Warren, Babyface und Teddy Riley. Trotz einiger anständiger Momente wie „Nothin' (That Compares 2 U)“ hat hier nichts das öffentliche Bewusstsein beeinträchtigt. Die Jacksons trennten sich nach ihrem Scheitern und formierten sich nur für gelegentliche Oldies-Auftritte.

Stephen Stills hatte gute Gründe, 1984 zu versuchen, seine Solokarriere wiederzubeleben. Für Crosby, Stills und Nash waren es ein paar sehr holprige Jahre, dank David Crosbys Suchtproblemen und rechtlichen Problemen, die den Sänger bald in ein texanisches Gefängnis bringen würden . Trotz alledem war der von Stills verfasste CSN-Song „Southern Cross“ 1982 eine echte Hitsingle. Aber er hatte einfach kein weiteres „Southern Cross“ in der Tasche, als er ins Studio ging, um „Right By You“ aufzunehmen. Was er hatte, war eine Sammlung minderwertiger Songs wie „50/50“, „Stranger“ und „No Problem“, die nicht einmal durch den Gastgitarristen Jimmy Page verbessert werden konnte. Der Tiefpunkt kommt gegen Ende, als er Neil Youngs akustisches „Only Love Can Break Your Heart“ in Angriff nimmt und Synthesizer, Drumcomputer und einen Hauch Reggae hinzufügt. Das Endergebnis ist fast eine Gewalttat gegen eines der schönsten Lieder seines Freundes.

Elton John war 1986 ein absolutes Zugunglück. Er war hoffnungslos kokainsüchtig, litt unter großen Stimmproblemen aufgrund von Polypen an seinen Stimmbändern und war in einer lieblosen Ehe mit der Toningenieurin Renate Blauel gefangen. Er war nicht in der Verfassung, ein neues Album aufzunehmen, aber er brachte damals wie am Schnürchen jedes Jahr eines heraus, egal, was in seinem Leben passierte. Dies war jedoch seine erste ohne Top-40-Single seit den frühen Siebzigern. Das liegt daran, dass es auf der gesamten Platte keine einprägsame Melodie oder Hook gibt und die Produktion selbst für die dürftigen Verhältnisse von 1986 schrecklich ist. „Leather Jackets enthält viele schreckliche Songs, und es gibt einige sehr uneinheitliche Arbeiten in der ‚ 80er und 90er Jahre, weil ich mich nicht auf das konzentrierte, was ich tat“, sagte er 2001. „Und natürlich wegen der Drogen.“ Er hat es mehrmals als das schlechteste Album in seinem Katalog bezeichnet, auch wenn sein Schreibpartner Bernie Taupin anderer Meinung ist. „Ich denke, da sind tatsächlich ein paar gute Songs dabei“, sagte er 2013 dem Rolling Stone. „Ich glaube ganz bestimmt nicht, dass das der Tiefpunkt ist.“ Entschuldigung, Bernie. In diesem Fall werden wir Elton folgen.

Van Morrison war schon immer ein Exzentriker, aber mit „Latest Record Project, Band 1“ aus dem Jahr 2021 begab er sich auf das Terrain der rechten Trolle. „Morrisons neue Platte hat eine seltsame Ähnlichkeit mit dem aus den Fugen geratenen, weitschweifigen Gefühl des Internets der Pandemie-Ära“, Rolling Jonathan Bernstein von Stone schrieb in einer Rezension: „Meistens wirken die 28 Titel wie eine Sammlung von Shitposts, Subtweets und Reddit-Rants, die John Lee Hooker-Grooves nachahmen sollen.“ Das ist kein Tippfehler. Es gibt 28 Songs auf zwei CDs und 127 endlose Minuten mit Titeln wie „Stop Bitchin, Do Something“, „Why Are You on Facebook?“ und „They Own the Media“. (Wer genau ist das „sie“, auf das Sie sich hier beziehen, Van?) Leider ist die Musik genauso faul wie sein Denken. Wir würden fast Mitleid mit dem Kerl haben, wenn er seine Kunst nicht dazu nutzen würde, gefährlich dumme Botschaften über Impfstoffe zu verbreiten. Hoffen wir nur, dass nicht irgendwann Band 2 kommt. Wir müssen Vans Einstellung zu Hunter Biden nicht hören.

Die Beach Boys mögen sich von Brian Wilson entfremdet haben, als sie 1992 „Summer in Paradise“ herausbrachten, aber dank ihres Hits „Kokomo“ vier Jahre zuvor hatten sie ein neues Lebensgefühl. Mike Love entschied, dass sie ein Album machen sollten, das als „Inbegriff des Sommer-Soundtracks“ dienen sollte, also mischten sie Wiederholungen alter Hits wie „Surfin'“ und „Forever“ mit Coverversionen wie „Hot Fun in the Summertime“ von Sly and the Family Stone. und „Remember (Walking in the Sand“) der Shangri-Las. Das Ganze ist so sinnlos, wie es klingt, und es wird sicherlich nicht besser, wenn John Stamos auftaucht, um die Dennis Wilson-Parts in „Forever“ zu singen. Abzüglich ihres 1996er Country-Crossover-Projekts Stars and Stripes Vol. 1 – was die Definition von rabattierbar ist – würden sie sich erst 2012 mit That's Why God Made the Radio an ein weiteres richtiges Album versuchen.

In gewisser Weise ist es leicht, Sympathie für die Creedence-Rhythmusgruppe von Doug Clifford und Stu Cook zu empfinden. Es muss zutiefst frustrierend gewesen sein, seinem Bandkollegen John Fogerty beim Schreiben und Produzieren all seiner Originalsongs zuzusehen. In den Köpfen der Öffentlichkeit wurden sie zu bloßen Ersatzmusikern, obwohl die Gruppe schon seit der High School gemeinsam musizierte. Aber die traurige Wahrheit ist, dass Fogerty brillant darin ist, Songs zu schreiben, und das sind sie nicht. Dies wird schmerzlich deutlich auf der LP Mardi Gras der Gruppe aus dem Jahr 1972, auf der Fogerty sich bereit erklärte, ihnen eine Chance auf Songwriting, Gesang und Produktion zu geben. Jon Landau sprach im Namen vieler Kritiker, als er schrieb, es sei „das schlechteste Album, das ich je von einer großen Rockband gehört habe“. Sie lösten sich kurz nach dem Flop auf. Als Clifford und Cook 1995 als Creedence Clearwater Revisited wieder zusammenkamen, ohne ihren ehemaligen Frontmann, nahmen sie keinen einzigen Mardi Gras-Song in ihre Bühnenshow auf. Es stellte sich heraus, dass es gar keine so schlechte Idee war, das Repertoire einer ganzen Band auf Fogertys Musik zu stützen.

Auf dem Höhepunkt von David Crosbys Drogenabhängigkeit in den frühen Achtzigern versprach Neil Young, dass er einem neuen CSNY-Album zustimmen würde, wenn Crosby sein Leben in Ordnung bringen würde. Es dauerte eine Weile im Gefängnis, bis Croz seine Freebase-Gewohnheit aufgeben konnte, aber Young hielt zu seinem Wort, als er freigelassen wurde. Das Problem ist, dass Crosby, Stills und Nash jahrelang in einer Songwriting-Flaute waren und keine weiteren Songs wie „Wooden Ships“ oder „Teach Your Children“ zur Hand hatten. Young bewahrte unterdessen seine besten Songs für seine Soloplatten auf und verpasste ihnen Schrottklassiker wie „This Old House“ und „American Dream“. Stills und Young versuchten mit „Got It Made“ und „Night Song“, ihre Songwriting-Partnerschaft aus der Buffalo-Springfield-Ära wiederzubeleben, aber der Zauber der Sixties war verschwunden. Das Album war ein absoluter Idiot, und sie waren nicht einmal danach auf Tour. Als sie im Jahr 2000 endlich auf Tour gingen, spielten sie keinen einzigen Song von American Dream. Zu diesem Zeitpunkt war es eine halb vergessene Fußnote ihrer langen Saga.

Im Jahr 1963 erschienen „Meet the Beatles“, „The Freewheelin‘ Bob Dylan“ und die ersten Singles der Rolling Stones. Elvis Presley war unterdessen in Acapulco und drehte einen weiteren Film, Fun in Acapulco. In diesem Film spielt Elvis einen Rettungsschwimmer (der natürlich singt), der in eine Rivalität mit einem anderen Rettungsschwimmer verwickelt ist. Gemessen an den niedrigen Standards von Elvis-Filmen ist er halbwegs anzusehen. Es war auch ein Hit. Der Quickie-Soundtrack ist eine andere Geschichte. Zu einer Zeit, als Elvis sein Spiel verbessern musste, um mit einer neuen Generation von Rockstars zu konkurrieren, sang er „The Bullfighter Was a Lady“, „(There's) No Room to Rhumba in a Sports Car“ und „You Can' „Sag nicht Nein in Acapulco.“ Es ist sehr schwierig, einen Tiefpunkt in Presleys Karriere als Musiker zu finden, da es so viele davon gab, aber viele echte Elvis-Fans verweisen auf dieses Album, und das aus gutem Grund.

Aus rein historischer Sicht ist „Unfinished Music No. 1: Two Virgins“ ein äußerst wichtiges Album. Die LP von 1968 markierte den Beginn von John Lennons Solokarriere und seiner kreativen Zusammenarbeit mit Yoko Ono und bot gleichzeitig einen Einblick in ihre private Welt. Das Nacktbild von Lennon und Ono auf dem Cover empörte die religiöse Rechte und verschaffte einem jungen Rockmagazin namens Rolling Stone große Aufmerksamkeit, als die Publikation es auf das Cover brachte. Aus musikalischer Sicht ist „Unfinished Music No. 1: Two Virgins“ jedoch schmerzlich langweilig und im Allgemeinen sinnlos. Die beiden 14-minütigen Seiten bestehen aus kleinen, aber unhörbaren Teilen gesprochener Dialoge, Tonbandschleifen, Soundeffekten und Ono-Geschrei. Es hat fast nichts Musikalisches daran und die gesamten 28 Minuten durchzustehen ist eine brutale Strapaze. Zwei Jahre später kamen John Lennon/Plastic Ono Band in die Regale. Es ist in jeder erdenklichen Hinsicht das genaue Gegenteil von „Unfinished Music No. 1: Two Virgins“. Mit anderen Worten: Es ist perfekt.

„Forbidden“ ist nur im weitesten Sinne eine Black-Sabbath-Platte. Gitarrist Tony Iommi war zu diesem Zeitpunkt das einzige verbliebene Mitglied, und selbst neuere Mitglieder wie Ronnie James Dio sind nirgends zu sehen. Zu diesem Zeitpunkt befand sich die Gruppe praktisch schon seit einem Jahrzehnt in der Wildnis und ihr Label überzeugte sie davon, dass Ice-T ins Studio kommen und die Band wieder hip und modern erscheinen lassen könnte. „Uns wurde verkauft, dass Ice-T produzieren würde“, sagte Bassist Neil Murray 2021 dem Rolling Stone. „Und dann stellte sich heraus, dass es sein Gitarrist [Ernie C] von Body Count war. Ich glaube nicht.“ Jeder glaubte wirklich, dass er irgendwelche passenden Ideen in die Produktion einbrachte oder wie der Mix zustande kam. Wir waren größtenteils ziemlich enttäuscht. Aber wir sagten: „Hier seid ihr, Journalisten und Fans, hier ist ein Album, in das ihr euch wirklich hineinversetzen könnt.“ Der Klang des Albums gab ihnen zu viel Munition. Die Band war damit nicht zufrieden, und auch sonst niemand.“ Als das Album von Fans und Kritikern überschwemmt wurde, hatte Iommi keine andere Wahl, als die Besetzung von Ozzy Osbourne wieder zusammenzubringen und so zu tun, als ob die ganze Ice-T-Sache nie passiert wäre.

Dylan-Fans streiten seit Jahrzehnten darüber, ob er mit „Knocked Out Loaded“ von 1986 oder „Down in the Groove“ von 1988 den Tiefpunkt seines kreativen Achtziger-Funks erreicht hat oder nicht. Es ist sicherlich eine knappe Entscheidung, aber Knocked Out Loaded hat ein nachweisbares Meisterwerk: seine epische Zusammenarbeit mit Sam Shepard „Brownsville Girl“. „Down in the Groove“ hingegen hat keinen einzigen erlösenden Moment. Es ist eine steife, leblose Sammlung von Coverversionen („Rank Strangers to Me“, „Shenandoah“), Kollaborationen mit dem Grateful-Dead-Texter Robert Hunter („Silvio“, „Ugliest Girl in the World“) und Originalen („Death Is Not the“) End“, „Had a Dream About You, Baby“), die von kitschigen Achtziger-Jahre-Drum- und Synthesizer-Sounds und einem allgemeinen Gefühl extremer Faulheit getrübt sind. Eric Clapton, Bob Weir, Jerry Garcia, Mark Knopfler und Paul Simonon von The Clash nehmen an den Feierlichkeiten teil, aber selbst ihre kollektive Starpower kann dieses Desaster nicht retten. Wenige Tage nach der Veröffentlichung begann Dylan jedoch seine Never Ending Tour. Es war eine belebende Erfahrung, die bedeutete, dass wir nie wieder ein Album bekamen, das so schrecklich war wie „Down in the Groove“, auch wenn er dem „Under the Red Sky“ aus den 1990ern ziemlich nahe kam.

Pantera ist zweifellos eine der größten Metal-Bands ihrer Zeit. Was viele Leute jedoch nicht wissen, ist, dass sie eine der schlechtesten Metal-Bands einer früheren Ära waren. Wenn Sie überzeugt werden müssen, schauen Sie sich ihr Debütalbum „Metal Magic“ aus dem Jahr 1983 an, auf dem sie wie ein generisches Haarband der B-Liste klingen. Fairerweise muss man sagen, dass Dimebag Darrell und Vinnie Paul noch Teenager waren, als sie dieses Album machten, und es wurde von ihrem Vater, dem Country-Sänger Jerry Abbott, produziert. Sie hatten sich auch nicht mit Frontmann Phil Anselmo zusammengetan. Sein Vorgänger, Terry Glaze, ist ein hoffnungsloser Möchtegern-Paul Stanley. Dies ist zwar nur dem Namen nach Pantera, aber es gilt dennoch als echtes Pantera-Album. Und es ist absolut schrecklich.

In den späten Achtzigern hatten sich die Prog-Rocker Yes am Rande eines sehr kostspieligen Gerichtsstreits in zwei verfeindete Versionen der Band gespalten. Es gab „Owner of a Lonely Heart“ Yes mit dem Schlagzeuger Alan White, dem Bassisten Chris Squire, dem Keyboarder Tony Kaye und dem Gitarristen Trevor Rabin, und es gab den Seventies-Rückblick Yes mit dem Schlagzeuger Bill Bruford, dem Keyboarder Rick Wakeman, dem Gitarristen Steve Howe und Sänger Jon Anderson. Sie erkannten schließlich, dass ein in sich selbst uneiniges Yes nicht bestehen kann, und gründeten eine einzigartige Version von Super Yes und buchten eine Arena-Tour. Sie beschlossen auch, ein Album zu schneiden. „Das Problem war, dass wir ein Album zu drei Vierteln durchgearbeitet hatten“, sagte Wakeman dem Rolling Stone im Jahr 2019. „Sie hatten ein Album zu drei Vierteln durch. Also wurde das Album einem Typen gegeben, der es nicht einmal sein sollte.“ erlaubte einen Mixer, geschweige denn ein Album. Er hat auf dem Union-Album den schrecklichsten Job gemacht. Ein Teil dieser „schrecklichen Arbeit“ bestand darin, anonyme Studiomusiker hinzuzuziehen, obwohl es sich um eine Band mit zwei Gitarristen, zwei Schlagzeugern und zwei Keyboardern handelte. „Ich habe es das Onion-Album genannt“, sagte Wakeman, „weil es mich zum Weinen gebracht hat.“

The Velvet Underground waren nur dem Namen nach eine Band, als sie Anfang 1973 Squeeze veröffentlichten. Die vier ursprünglichen Mitglieder der äußerst einflussreichen New Yorker Band hatten in den vergangenen Jahren eines nach dem anderen aufgrund interner Spannungen und der Tatsache, dass es der Gruppe nicht einmal eine einzige Band gab, die Band verlassen ein kleiner kommerzieller Erfolg. Dies war wahrscheinlich ein guter Zeitpunkt, um Schluss zu machen, aber Manager Steve Sesnick hatte die verrückte Idee, dass sie irgendwie weitermachen könnten, indem Bassist Doug Yule – der 1968 Gründungsmitglied John Cale ersetzte – die Leitung übernimmt. Yule war eine echte Bereicherung, als sie 1969 „The Velvet Underground“ und 1970 „Loaded“ aufnahmen, aber auf diesen Platten hatte er immer noch Lou Reed an der Seite, der alle Songs schrieb und die überwiegende Mehrheit davon sang. Da Reed nicht mehr im Spiel war, musste Yule alles selbst regeln. In seinen eigenen Worten war es so, als ob „der Blinde den Blinden führt“. Als Doug Yule-Solo wäre „Squeeze“ vielleicht in Ordnung gewesen, aber als Album einer der größten Rockgruppen aller Zeiten? Definitiv nicht. Es inspirierte jedoch eine aufstrebende britische Gruppe unter der Leitung von Glenn Tilbrook und Chris Difford, sich Squeeze zu nennen. In vielerlei Hinsicht ist das das größte Erbe.

Die letzten fünf Jahre in Kanye Wests Leben waren so unglaublich traurig und selbstzerstörerisch und gipfelten in einer schrecklichen Reihe von Interviews Ende 2022, in denen er Hitler lobte und Nazis verteidigte, dass seine jüngsten Alben für die meisten Menschen fast nebensächlich waren. Es sind mit Sicherheit die schlechtesten Werke seiner Karriere, und es wäre leicht, „Jesus Is King“ oder „Donda“ als den einzigen Tiefpunkt herauszupicken. Aber wir entscheiden uns für „Ye“ aus dem Jahr 2018, weil es den Beginn des katastrophalsten künstlerischen und persönlichen Zusammenbruchs in der Geschichte der Popmusik markiert. Das chaotische, unausgegorene Album dauerte nur 23 Minuten und wurde in Wyoming aufgenommen, genau zu der Zeit, als er TMZ sagte, Sklaverei sei eine „Wahl“ und begann, in der Öffentlichkeit einen MAGA-Hut zu tragen. Der Aufruhr über seine Sklaverei-Bemerkung veranlasste ihn, zwei Wochen lang, kurz bevor das Album erschien, viele der Ye-Texte zu überarbeiten, was Sprüche wie „Stell dir vor, sie hätten mich an einem wilden Tag erwischt/Jetzt bin ich auf 50 Blogs unterwegs“ erklärt „50 Anrufe/Meine Frau ruft an, schreit und sagt: ‚Wir sind dabei, alles zu verlieren‘.“ Die Kanye-Skandale von 2018 wirken im Vergleich zu seinen jüngsten Ausgaben fast kurios, aber er hat die Musik nie weniger wichtig gemacht als diese.