Kunst, die wir diesen Winter gesehen haben

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Von unseren Kritikern Rezensionen zu Ausstellungen in geschlossenen Galerien in New York City.

Von der New York Times

Chelsea

Bis 18. Februar. Marianne Boesky, 507 West 24th Street, Manhattan; 212-680-9889, marianneboeskygallery.com.

Von den 1970er Jahren bis zu ihrem Tod im Jahr 2022 verschmolz Jennifer Bartlett die ausdrucksstarken Techniken der Malerei mit den starren Rastern der Konzeptkunst. Ganz gleich, ob Farbkleckse zwischen den Linien angebracht werden oder Farbe darüber streicht, das Raster begrenzt und belebt einfache Motive wie Berge oder Bäume und intensiviert elementare Studien von Form und Farbe. Bartletts enzyklopädische und wandernde „Rhapsody“ aus dem Jahr 1976 umfasst Hunderte von quadratischen emaillierten Tafeln, die mit einem Viertelzoll-Raster bedruckt sind.

Diese Ausstellung präsentiert 77 der frühen, obskuren Serienzeichnungen der Künstlerin auf Millimeterpapier aus den Jahren 1970 bis 1973. Sie enthüllen die systemischen Grundlagen ihrer ausgefeilteren Arbeit. In einer Gruppe experimentiert sie mit iterativen Möglichkeiten, die Quadrate zu füllen oder einen bestimmten Bereich mit Streifen und Punkten zu schattieren. Eine weitere prismatische Serie ordnet kleine Farbstiftmuster auf Feldern mit metallischer Silberfarbe an. Man kann Bartletts Unruhe darin spüren, wie sie außerhalb der Linien malt und zulässt, dass sich Fehler einschleichen.

In einer dritten ausgestellten Serie geht es um ihr Lieblingsmotiv, das ikonische Haus: eine Kiste mit einem Dreieck oben, in das Fenster und eine Tür eingelassen sind. Der Himmel ist blau und der Rasen ist grün. Der Fortschritt bei den Hauszeichnungen beginnt einfach mit dem pflichtbewussten Einfügen der Komponentenformen in das Raster. Dann, nach einigen Zeichnungen, beginnt Bartlett, die Teile handschriftlich zu beschriften, manchmal auf eine Weise, die dem Programm widerspricht – das Wort „Himmel“ auf einem grünen Dreieck. Das Sprachgewirr oben auf einer Seite geht in einen spärlichen Farbverlauf über. Im Rhythmus der Abwicklung des Plans entsteht Freude am Zwang. TRAVIS DIEHL

TriBeCa

Bis 11. Februar. Theta. 184 Franklin Street, Manhattan; 917-262-0037, theta.nyc.

Die rätselhaften Acrylstäbe, Pucks und Karten, die hier zu sehen sind, sind streng genommen keine Kunst. Diese gruseligen Spielereien werden vom Gentle Wind Project, das eine vage New-Age-Spiritualität vertritt und möglicherweise ein Kult ist, als „Heilinstrumente“ beworben und lehnen sich großzügig an die chinesische Medizin und Farbtherapie an. Mit ihrer ekstatischen Lebendigkeit und ihrem hypnotisierenden grafischen Stil treiben sie die Farbtheorie auf ihr unplausibles Extrem, wie eine Übung von Josef Albers über Psilocybin.

Ihre Versprechen, vorgeschrieben in ihren Namen – „Trauma Card 2 + Combat Fatigue Ver 17.0“ (2006); „Soft Sleep Ver 8.2“ (2008) – schließen Sie sich der Reihe homöopathischer Heilmittel gegen psychische Beschwerden an. Dies sind abgedroschene Versionen – besseres Wissen lässt vermuten, dass die Kommunikation mit einer laminierten Day-Glo-Fibonacci-Spirale das elektromagnetische Feld Ihres Körpers nicht neu ausrichtet – aber sie unterscheiden sich nicht so sehr von dem Zeug, das im Rahmen der 450-Milliarden-Dollar-„Wellness“-Industrie vermarktet wird. Die aktuelle Inkarnation der Organisation, nach einer Betrugsuntersuchung, als I Ching Systems and Artworks, lädt zum Nachdenken als ästhetische Praxis ein, auch wenn ihre Absicht weniger darin besteht, den Anspruch der Kunstwelt zu erfüllen, als sich der Kontrolle durch die FDA zu entziehen.

Wir sind voll von schlechten Schauspielern, Opportunisten, die unser Leid aus Profitgründen ausnutzen würden. Ein Gauner bläst in die Stadt und ein anderer kauft die Filmrechte. Aber die von Nick Irvin organisierte Ausstellung wehrt sich dagegen, sich der Schmutzigkeit hinzugeben oder ein Werturteil abzugeben, eine Pose, die bewundernswert offenherzig oder frustrierend schräg wirken kann. Es wird zu einer eigenen Studie über Besessenheit (Bücher von wahren Gläubigen von Gentle Wind stehen als Referenz zur Verfügung, komplett mit Irvins ausführlichen Marginalien), zu einem Versuch, dem Glauben einen Sinn zu geben, der natürlich nicht erklärt werden kann, oder ihn vielleicht wiederherzustellen. MAX LAKIN

NeinHo

Bis 21. Januar. dieFirma, 32A Cooper Square, Manhattan; 347-699-1440; diefirmanyc.com.

Es war einmal, dass Linoleumböden das strahlende Versprechen des modernen Jahrhunderts heraufbeschworen: lebendig und neu, ein Wunder der Wissenschaft und Bequemlichkeit. Mitte des Jahrhunderts war es in amerikanischen Küchen unverzichtbar und ein Synonym für die Selbstwahrnehmung des Landes nach dem Krieg: strapazierfähig, widerstandsfähig, verblasst nie. Der Glanz ist, wie sich herausstellte, dass ein Großteil des amerikanischen Traums durch Asbest zusammengehalten wird, seitdem abgenutzt; Die Amerikaner rissen ihre Linoleumböden heraus und warfen sie in den Mülleimer der Dekorationsgeschichte.

Der Künstler Bill Miller lässt diese Vergangenheit und die damit verbundenen Geister wieder auferstehen, indem er gefundene Linoleumplatten zu dichten, fast halluzinatorischen Collagen zusammenfügt, die die Landschaften und bescheidenen häuslichen Innenräume der postindustriellen Städte, die er kennt, darstellen. Miller manipuliert die Oberflächen nicht, sondern verlässt sich bei seiner Palette auf fabrikgefertigte Farben und oft aggressive Muster, eine selbst auferlegte Einschränkung, die zu expansiver Freiheit wird. Es erweist sich als ein bemerkenswert vielseitiges und berührendes Medium. Miller rettet einen Großteil seines Materials aus verlassenen Häusern in und um Pittsburgh, wo er lebt und dessen zusammengebrochene Stahlindustrie die Arbeit hier sowohl ermöglicht als auch prägt.

Das konzeptionelle Interesse könnte schnell langweilig werden, aber Millers Entscheidungen vermeiden Spielereien. Seine Hingabe an sein Material ist hingebungsvoll und einfühlsam und er schildert das Leben seiner Arbeiter anhand der Dinge, mit denen sie ausgestattet waren. Seine Bilder haben etwas Gespenstisches; Gebrauchsspuren bleiben sichtbar, Spuren des früheren Lebens des Linoleums sind noch vorhanden, verblasst, aber nicht vergessen. MAX LAKIN

Flatiron

Bis 21. Januar. The 8th Floor, 17 West 17th Street, Manhattan; 646-839-5908, the8thfloor.org.

Performance-Kunst ist vielleicht nicht mehr so ​​radikal wie in den 1970er-Jahren, aber die Ausstellung „El Corazón Aúlla“ („Das Herz heult“) bekräftigt, welch starkes Mittel sie für subversiven Ausdruck ist. Die von Alexis Heller und Tatiana Muñoz-Brenes kuratierte Ausstellung zeigt 14 lateinamerikanische und nicht-binäre Künstlerinnen, die auf eine Krise geschlechtsspezifischer Gewalt aufmerksam machen: Nach Angaben des Gender Equality Observatory für Lateinamerika und die Karibik sind es mindestens 12 Frauen pro Tag wurden 2021 Opfer von Femiziden in der Region. Die Künstler verfolgen unterschiedliche Ansätze – sie treten öffentlich und privat auf, allein oder mit anderen –, eint aber ihre unerschütterliche Verletzlichkeit. Sie setzen ihre Körper aufs Spiel.

Dazu gehört Denise E. Reyes Amaya, die im Video „Colored Bags for Trash“ (2014) mit Müllsäcken bedeckt in der Rinne einer Straße in San Salvador liegt; Ebenso erschütternd ist es zu sehen, wie Passanten sie ignorieren und Polizisten sie anstupsen. In dem Video „Las Nobodies“ (2011) spaziert die mexikanische Künstlerin Nayla Altamirano meditativ entlang der Grenze und sammelt und zieht BHs an, die in der Wüste von den Kojoten zurückgelassen wurden, die die Frauen, die sie in die USA schmuggelten, sexuell missbrauchten.

Manche Künstler dehnen ihre Verletzlichkeit nach außen aus, wie Elina Chauvet, die sich in „My Hair for Your Name“ (2014) ihre Locken abschnitt und sie mit Bändern mit den Namen ermordeter Frauen zusammenband. Hier hat der mexikanische Künstler neben den hängenden Schlössern und Performance-Fotos eine Station eingerichtet, an der Besucher dazu eingeladen werden, das Gleiche zu tun, und uns dazu anspornt, darüber nachzudenken, was wir als Opfer zu riskieren oder aufzugeben bereit wären. JILLIAN STEINHAUER

Untere Ostseite

Bis 21. Januar. Shoot the Lobster, 138 Eldridge Street, Manhattan; 212-560-0670, Shootthelobster.com.

Der Titel dieser Gruppenausstellung – die Arbeiten von 22 Künstlern umfasst, die Frauen mehr oder weniger abstrakt darstellen – ist eine Anspielung auf „New Images of Man“, den von Peter Selz kuratierten MoMA-Blockbuster von 1959. Diese Ausstellung sammelte die verdrehten Formen der modernistischen Porträtmalerei von Giacometti und Francis Bacon unter dem Banner des Atomzeitalters. Ein Großteil dieser Brutalität steckt in dieser von der Künstlerin Candy Cane kuratierten Überarbeitung.

Diese „neuen Frauenbilder“ sind angespannt, angespannt, gespickt mit Andeutungen von Sex und Gewalt. Das größte Porträt, ein Foto aus Pieter Hugos „Nollywood“-Serie, zeigt eine schwarze Frau, die den rauen Griff einer Bolo-Machete hält, der durch ihr nacktes Brustbein zu laufen scheint. Sie starrt in die Linse, während Bühnenblut die Decke an ihrer Taille durchnässt. Ein königsblaues, drei Fuß großes „Raggedy Ann“-Riff von Jason Yates sitzt da, als würde es das Blut anstarren. Andere Fotos zeigen Bondage, Seilspiele, Sexploitation und Indie-Sleaze. Das ist allerdings nicht um des Grauens Willen gemeint – diese rohen Bilder widerlegen die Vorstellung, dass das Wort „Mensch“ die gesamte glückliche Menschheitsfamilie benennen könnte. Dieses Glück ist auch voller Belastungen. In einem Porträtfoto von Bill Taylor aus dem Jahr 2021 ruht eine Frau mit ergrauendem Kurzhaarschnitt und Gesichtstätowierungen in einem Krankenhausbett, möglicherweise schlafend; Für „In My Garden“ (1987) kleidet sich Cindy Sherman wie eine schlammbespritzte Ölarbeiterin und hält eine tote Schlange wie ein Symbol. Unsere sozialen Traumata haben sich weiterentwickelt, unsere Grenzen der Normalität verschwimmen, aber Selz‘ Ausstellung, oder zumindest ihr Titel, bleibt ein kunsthistorischer Ohrwurm. TRAVIS DIEHL

TriBeCa

Bis 14. Januar. Broadway, 375 Broadway, Manhattan. (212) 226-4001; broadwaygallery.nyc.

Für ihre erste Show am Broadway im Jahr 2020 fertigte Meg Lipke eine Reihe weicher Leinwandskulpturen à la Claes Oldenburg an. Gefüllt wie Kissen, aber größtenteils aus leeren Quadraten oder losen Gittern geformt und mit hellen, verrückten Mustern verziert, handelte es sich im Wesentlichen um Skulpturen von Gemälden.

Ihre neue Ausstellung „Ingredients You Can See and Pronounce“ umfasst neun echte Gemälde auf gespanntem Leinen, deren einzige Besonderheit jeweils eine abgerundete Ecke ist. Aber ihre geschäftigen Arrangements aus Wölbungen, Schleifen und Punkten wirken so sehr wie Collagen, dass man vielleicht zweimal hinschaut, um zu sehen, ob ihre Oberflächen völlig flach sind.

In der Veröffentlichung der Show wird Höhlenkunst erwähnt, und es stimmt, dass Lipkes Farbpalette trotz Pfirsich, Orange, Gelb und Fuchsia etwas Sandiges und Altes an sich hat; In einem Stück namens „Lascaux“ gibt es sogar eine Reihe kleiner brauner Vierbeiner. Aber was mich wirklich in die Vergangenheit versetzte, waren die Streifen, mehr oder weniger parallele Linien und Striche, die mich an eine prähistorische Künstlerin erinnerten, die ihre Fingerspitzen durch roten Ocker an einer Höhlenwand zog. Ihren Höhepunkt erreichen diese Streifen in „Old Sarum“, einem nahezu schwarz-weißen Gemälde, in dem sich Zebramuster, Bleistiftlinien, Apostrophe und Kringel, die auf Paul-Klee-Zeichnungen anspielen, zu einer zugleich komplexen und einfachen Oberfläche vereinen. WILL HEINRICH

Chinatown

Bis 8. Januar. Lubov, 5 East Broadway, vierter Stock, Manhattan; 347-496-5833, lubov.nyc.

Die in New York lebenden Künstler Covey Gong und Eli Ping inszenieren einen kameradschaftlichen Dialog in einer Ausstellung, die sich vor allem auf Skulptur konzentriert. In den sieben Werken der Ausstellung – alle aus dem Jahr 2022, darunter zwei von Ping und fünf von Gong – gelingt es beiden Künstlern, ein ausgewogenes Verhältnis zu schaffen, indem sie Zartheit und Schwere ausspielen und Einfachheit ohne viel Aufhebens verwenden. Skulpturale Details beleben sogar die Werke, die auf den ersten Blick wie Gemälde aussehen, wie in Gongs Diptychon ohne Titel, wo fein gewebter Polyesterorganza die Leinwand des Malers ersetzt und die darunter liegenden Keilrahmen aus Aluminium freigibt. Tellergroße Tupfen kennzeichnen dieses Material – das an hauchdünne Strumpfhosen erinnert – mit Airbrush aus schwarzem oder dunkelgrauem Acryl in einem locker regelmäßigen Muster, wobei rauchige Sprühnebel aus den Kreisen entweichen. Der Effekt: Minimalismus mit Elan und Seele.

Gongs Diptychon steht Pings „Moult“ gegenüber, einer gusseisernen Wiedergabe einer einfachen Form, die wie ein Handtuch aussieht – oder sogar wie die umfunktionierte, ungestreckte Leinwand eines Malers –, die in einer aufsteigenden, gewundenen Form verdreht und erstarrt ist und an eine Fackel oder Kerzenflamme erinnert. Meine Lieblingsarbeiten hier sind zwei kastenförmige Konstruktionen von Gong, bei denen der gleiche gesprühte Organza auf einem dünnen Drahtrahmen aus Bronze und Zinn verwendet wird. An der Wand hängen sie etwa so groß wie ein gebundenes Buch und verfügen über Haken- und Ösenverschlüsse, wie man sie vielleicht an einem Korsett oder einer Bluse findet, einer mit weißem Stoff, der andere mit schwarzem Stoff. An der Ober- und Unterseite bündeln sich Baumwollfäden, die an Richard Tuttles subtile skulpturale Zeichnungen aus Draht und Schatten erinnern. JOHN VINCLER

TriBeCa

Bis zum 7. Januar in 52 Walker, 52 Walker Street, Manhattan; (212) 727-1961, 52walker.com.

Wir als Spezies sind von großen Dingen beeindruckt: große Tiere, superhohe Gebäude, supergroßes Essen. In der Kunst ist größer jedoch nicht immer besser. Nehmen Sie Tau Lewis‘ aktuelle Skulpturenserie in ihrem Solo-Debüt „Vox Populi, Vox Dei“ bei 52 Walker.

Der in Kanada geborene und in Brooklyn lebende Künstler stürmte vor einem halben Jahrzehnt in die nordamerikanische Kunstszene, ein überaus talentierter 20-Jähriger, der aus gesammelten Materialien düstere, fast unheimliche Skulpturen und Wandteppiche zusammenbastelte. Dann wurde sie entdeckt: von wichtigen Kuratoren angeworben und von großen Galerien angeworben, was in ihrer Teilnahme an der aktuellen Biennale von Venedig gipfelte.

„Vox Populi, Vox Dei“ knüpft an dieses berauschende Erlebnis an und Lewis hat kaum noch Ideen. Sechs riesige Köpfe mit bombastischen Titeln wie „Mater Dei“ (alle Werke stammen aus dem Jahr 2022) und „Trident“ beschwören Masken und wilde Monster, Gottheiten und Machtgestalten aus einer Vielzahl von Kulturen. Zu den Materialien gehören wiederverwendetes Leder, Pelz, Seide, Rohleder, Muscheln und Schlangenleder. Die Werke sind beeindruckend – also groß –, aber eher einfach. (Ich denke bei diesen Fällen von „Riesentum“ immer an das, was Roberta Smith einmal über Zhang Huans riesige Skulpturen schrieb: „Das Hauptthema hier ist der Maßstab selbst; Höhe, Volumen und Menge sowie Stunden menschlicher Arbeit.“)

Es wurde viel Tinte auf die Kunstwelt vergossen, die ihre Jugend verschlingt. Einerseits ist es ein Glück, dass Lewis Erfolg hatte. Andererseits ist es bittersüß: Die wilden Ideen und Kompositionen, die Lewis schuf, als sie noch relativ unbekannt war und in ihrem Atelier seltsame Objekte herstellte, waren besser. MARTHA SCHWENDENER

Bis 7. Januar. Lehmann Maupin, 501 W 24th Street, Manhattan, 212-255-2923 lehmannmaupin.com.

In den 1990er Jahren traten der englische Schriftsteller, Maler und Musiker Billy Childish und seine Band Thee Headcoats an der Westküste auf. Diese Reisen veränderten sein Leben: Er lernte seine Frau in der Gegend kennen und heiratete sie, und jetzt ist er in seiner neuen Show „Spirit Guides and Other Guardians Joining Heaven and Earth“ bei Lehmann Maupin in den pazifischen Nordwesten zurückgekehrt.

Dabei handelt es sich um 11 Gemälde mit gedämpften, aber ausdrucksstarken Farben, ganz im Stil von Edvard Munch, der einen großen Einfluss auf Childish hatte. Seine Pinselstriche wackeln wie ein leiser Schrei in einem neu entdeckten Wald. Er arbeitet auf Leinen, skizziert zunächst mit Kohle, bevor er mit Öl koloriert, und schafft so eine intensive, spürbare Beziehung zur Natur. Selbst wenn menschliche Figuren – meist allein – auftauchen, scheint das Gewicht ihrer Umgebung sie einzuzwängen.

Berge, Wälder, einsame Bäume, Flüsse und ihre Nebenflüsse werden zu Schauplätzen vielleicht von Streifzügen in sein eigenes Unterbewusstsein, von Abschnitten seines Lebens, die er gerne noch einmal erleben möchte. Zwei Gemälde – „Der Berg, der Gott ist“ und „Moonrise Mount Tahoma“ – zeigen dieselbe Szene: Ein Mann steht in einem Boot, seinen Hut in der einen Hand und sein Paddel in der anderen, mit dem Berg im Hintergrund, dem Fluss unter ihm verliefen grüne Risse wie ein Stein selbst. Wenn Childish seine Erinnerungen aus seiner Zeit mit der Landschaft der Westküste teilt, sind die resultierenden Bilder majestätisch und friedlich, ein Beweis für den Reichtum seiner Erinnerungen und des menschlichen Gedächtnisses selbst. YINKA ELUJOBA

Chelsea

Bis 7. Januar. Cheim & Read, 547 West 25th Street, Manhattan. 212-242-7727; cheimread.com.

Der Kunsthändler Jay Gorney hat eine kleine, belebende Gruppenausstellung rund um das Werk des ständig übersehenen amerikanischen Malers Kimber Smith (1922-1981) zusammengestellt und vier seiner Werke mit denen von sieben lebenden Künstlern kombiniert. Vielleicht sichert es seiner Kunst endlich dauerhafte Sichtbarkeit.

Smith arbeitete mit einem Hauch lebhafter, respektloser Improvisation, indem er Stile und Techniken mischte, wie in dem hellen, leicht dämonischen „K's Mandolin“ (1970), das harte und weiche Kanten mit Andeutungen von Graffiti kombiniert, oder indem er die Malerei auf skizzenhafte Extreme trieb wie „13. Juni (Gabrielle)“ von 1979, das an Kinderzeichnungen erinnert. Smith ist mit dem Abstrakten Expressionismus der zweiten Generation oder der Farbfeldmalerei verbunden. Aber er scheint eher ein Störfaktor beider Stilrichtungen zu sein, als Teil eines anhaltenden Prozesses der Kontamination der abstrakten Malerei durch das wirkliche Leben, der zumindest seit frühen Modernisten wie Miro im Gange ist.

Alle Künstler hier streben nach Kontamination. Joanne Greenbaum baut dichte Netze aus bunten Linien auf, die in Cartoons ausbrechen sollten, es aber nie tun. Joe Fyfe collagiert sein Ersatzgemälde mit einem zweiten Stück Leinwand und etwas, das wie ein Stück eines Vinylschilds aussieht. Eric N. Mack reduziert die Malerei auf dünne, in den realen Raum gespannte Farbschleier. Marina Adams bleibt auf der Leinwand, streckt aber auch ihre Formen und verzerrt sie wie Textilien. Matt Connors macht tatsächlich ein gemustertes Textil zum halb verborgenen Thema seiner besonders Kimber-artigen Arbeit. Die zeitgenössischen Gemälde – darunter die der bedeutenden Peter Shear und Monique Mouton – lassen Smith so erscheinen, als ob er unserer Zeit entstammt und seiner eigenen damit voraus ist. ROBERTA SMITH

Chelsea

Bis 7. Januar. A Hug From the Art World, 515 West 19th Street, Manhattan. ahugfromtheartworld.com.

Beryl Cook erfreut sich in ihrer Heimat Großbritannien großer Beliebtheit, wo ihre lebhaften Figuren und warm gefüllten Szenen auf Briefmarken und Geschirrtüchern zu sehen sind, doch hier ist sie weitgehend unbekannt. Diese entschlossene Ausstellung möchte dieses Versäumnis korrigieren und versammelt 40 Gemälde, Zeichnungen und Ephemera aus Cooks fünf Jahrzehnte dauerndem Schaffen, von ihrem ersten Werk um 1960 bis zu ihrem letzten im Jahr 2008, dem Jahr, in dem sie starb.

Cook, ein Showgirl aus Kriegszeiten, das mit 40 Jahren ohne formale Ausbildung zu malen begann, stellte alltägliche Briten in flacher, voluminöser Pracht dar – kaskadierende, pummelige Rentner und fleischige Callgirls – ein Boterismo für das Blackpool-Set. Ihre lautstarken Tableaus von fettigen Fish-and-Chip-Läden und Badeferien brachten eine besondere Form des britischen Klassengefühls zum Ausdruck, zu gleichen Teilen abwertend und derb, das unbefangene Lockern der steifen Oberlippe oder das, was sie „normale Menschen, die sich amüsieren“ nannte. "

Unhöflich, aber fast lasziv (Jackie Collins war ein Fan), lässt sich Cooks essiger Witz auf natürliche Weise auf New York übertragen. Mehrere Gemälde beziehen sich auf ihre Reisen hierher, wo sie die Menschenmassen beobachtete wie ein demonstrativer de Tocqueville in Amerika: „Bar & Barbara“ (1982), zaftige Matronen in dicken Pelzen, die am Algonquin Hotel entlangstapfen, ist so kompakt ansprechend wie jeder James Thurber.

In seiner Darstellung des geschäftigen Nachtlebens orientierte sich Cooks Werk an einer fröhlicheren Version von Edward Burras gesellschaftlichen Verrücktheiten oder George Grosz‘ Karikaturen von Berlinern. Ihre Themen waren erwachsene, aber abwesende Angst und Schmerz, die von Kritikern als unseriös abgetan wurden, ein Satz, der am Kern der Sache vorbeigeht. Cook interessierte sich für Vergnügen und malte es bis zum Punkt des Trotzes. MAX LAKIN

TriBeCa

Bis 17. Dezember. Arsenal Contemporary, 21 Cortlandt Alley, Manhattan; 917-262-0233, arsenalcontemporary.com/ny.

Ein Gemälde zeigt eine zurückhaltende Blondine in einem mädchenhaften blauen Kleid, die Hände bescheiden vor ihr gefaltet. In einem anderen nimmt eine Brünette in einem luftigen weißen Kleid, einem weißen Umhang und einem Strohhut zwischen Narzissen Platz. Ein drittes zeigt uns zwei junge Frauen, die allein in der Natur unterwegs sind – vielleicht im Hochland von Maine oder in einer Hügellandschaft auf Cape Cod. Barfuß tragen sie ärmellose Hemden in geschmackvollem Lachsrosa und Blaugrau; Das rosafarbene Mädchen starrt in die Ferne, während ihre Begleiterin in Grau ihr Haar zu Zöpfen flechtet. Diese und neun weitere Gemälde von Corri-Lynn Tetz, die in Montreal lebt, präsentieren das eleganteste und geschmackvollste Bild einer Mädchenzeit, das man sich vorstellen kann.

Ich finde sie erschreckend.

In Tetz‘ Gemälden sind die Klischees des Weiblichen unserer Gesellschaft zu einer Bärenfalle geworden, die darauf wartet, jede junge Frau, die ihnen begegnet, zu packen und außer Gefecht zu setzen, wie es fast jede junge Frau tun muss.

Einige der Gemälde basieren auf Figuren, die den Seiten eines Katalogs von Laura Ashley entnommen wurden. Andere scheinen Werbung für die neuesten „Prärie“-Stile zu sein, die kürzlich Einzug in die Mainstream-Damenmode gehalten (ich würde sagen, infiziert) haben. Ihre Szenen sind in der freien Pinselführung der besten Modeillustrationen der Nachkriegszeit wiedergegeben, wie man sie heute nur noch selten antrifft.

Indem Tetz diesen klassischen Werbestil auf die Skala alter Meisteraussagen über Krieg und Gott und klassische Mythen erweitert, macht er den Verkauf von Weiblichkeit zum Thema einer neuen Art von Historienmalerei. „Der Raub der Sabinerinnen“ ist kaum gruseliger. BLAKE GOPNIK

Tribeca

Bis 15. Dezember. Jacqueline Sullivan Gallery, 52 Walker Street, Manhattan; jacquelinesullivangallery.com.

Galerien, die sich wirklich kunstvollem Design widmen, sind in New York City seltener als MAGA-Hüte. Sie bleiben nicht immer lange geöffnet. Daher freute ich mich darauf, zu dieser Galerie im vierten Stock von TriBeCa hinaufzusteigen, vorbei an den bekannten David Zwirner- und James Cohan-Räumen, und die inspirierende Gruppenausstellung zu entdecken, mit der Jacqueline Sullivans neue Galerie eröffnet wird.

Ich habe eine wunderbare Mischung aus sehr neuen, alten und sehr alten Möbeln und Gegenständen gefunden. Kräftige Eichenstühle, die um 1700 in Yorkshire gefertigt wurden, stehen in einem fröhlichen Gespräch mit einer minimalistischen Garderobe, die 1974 vom Niederländer Juliaan Lampens entworfen wurde, der rohes Sperrholz als raffiniert erscheinen ließ. Es gibt einen schönen Dialog zwischen einem blumigen Arts-and-Crafts-Teppich, der um 1895 in England gewebt wurde, und geometrischen Decken, die dieses Jahr von Grace Atkinson mit Sitz in Paris hergestellt wurden.

Aber eine gründlichere Verbindung von Alt und Neu bietet ein neues Projekt von Kristin Dickson-Okuda, einer von mehreren Schöpferinnen, die speziell für diese Show beauftragt wurden. Dickson-Okuda hat einen „Sussex“-Stuhl von Arts and Crafts, der in den 1870er-Jahren von William Morris hergestellt wurde, übernommen und, wie eine Elster, schwarze Bänder an den Seiten, durchsichtige Vinylquadrate an den Armlehnen und sogar handgestrickte weiße Kuscheldecken um ihn herum angebracht Beine. Ihre Ergänzungen wirken absolut zeitgenössisch, respektieren aber auch die Vintage-Objekte, die sie schmücken und auf den neuesten Stand bringen.

Im Design fühlt sich eine Mischung aus Alt und Neu oft wie eine auffällige Ansammlung von Schätzen an, ohne Rücksicht darauf, was jedes Stück einmal bedeutete. Sullivan, der sowohl Poesie als auch Designgeschichte studiert hat, verwandelt den Anachronismus in eine kreative Kraft. BLAKE GOPNIK

Bis 11. Dezember. Amanita, 313 Bowery, Manhattan; spazioamanita.com.

Brutalität und Zärtlichkeit vereinen sich in den neuen Gemälden der ungarischen Künstlerin Eva Beresin in ihrer Ausstellung „Aktenkundig“ (On Record), die Versionen von sich selbst und ihrer Familie in Szenen zeigen, die sowohl von visueller als auch emotionaler Intensität sind. Beresins Bilder werden mit einer kindlichen Handschrift und einer saftigen Farbpalette wiedergegeben, die ihre Ernsthaftigkeit Lügen straft, und können sich fantastisch anfühlen, weniger surreal als die Art und Weise, wie Ängste in Träumen übereinander fallen und es dem Geist überlassen, sie zu ordnen, oder auch nicht. Beresin stellt sich oft nackt dar, wie sie à la Chagall durch den Raum taumelt. Soldaten dringen ebenso ein wie Gartenzwerge, Geister werden mit kunsthistorischen Anspielungen gleichgestellt. Gloopy 3D-gedruckte Skulpturen von geschmolzenen Hunden und Schildkröten, als wären sie der Bildebene entkommen, verstärken die allegorische Stimmung.

Beresins aktuelle Art der figurativen Malerei ergibt sich aus der Entdeckung des Tagebuchs, das ihre Mutter nach ihrer Befreiung aus Auschwitz schrieb. Trotz dieses Themas, oder vielleicht gerade deshalb, strotzen Beresins Leinwände vor bissigem Humor („Familiarity“, in dem eine Frau ihren alternden Körper beäugt, während Kosmonauten aus der Ecke blicken), der der Last der Erinnerung verpflichtet, aber nicht von ihr belastet ist.

Beresin arbeitet schnell und trägt die Farbe ohne Zwischenskizze auf die Leinwand auf dem Boden auf. (Die Profilspuren ihrer Schuhe sind oft wie eine schwache Landkarte sichtbar und zeigen die Spuren ihrer Bewegungen.) Ihre fleischigen, schlammigen Figuren sind oft kaum lesbar, manchmal zu Klumpen grob definierter Körper gehäuft, die an Massengräber und andere damit verbundene Schrecken erinnern der Lager, ein ererbtes Trauma, das nachhallt. Ihre wütenden Schläge lesen sich als Ungeduld, aber auch als Freiheit. MAX LAKIN

Holland Cotter, Jason Farago und Roberta Smith sind Personalkritiker.

Dawn Chan, Aruna D'Souza, Travis Diehl, Yinka Elujoba, Blake Gopnik, Will Heinrich, Max Lakin, Arthur Lubow, Siddhartha Mitter, Seph Rodney, Martha Schwendener, Jillian Steinhauer und John Vincler sind Kritiker.

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