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Zu den Empfehlungen dieses Monats gehören ein zum Leben erweckter medizinischer Albtraum, eine ländliche Geschichte über Zeitreisen und Geister sowie eine gruselige Bootsfahrt in der Arktis.

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Von Elisabeth Vincentelli

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Den Debütfilm von Seth A Smith anzusehen ist ein anstrengendes Erlebnis. Aber da „Tin Can“ eine Mischung aus Science-Fiction und Body-Horror ist, sollten Sie dieses Lob in Betracht ziehen. Der Film beginnt mit der Nachricht, dass sich eine unbehandelbare Krankheit namens Coral unkontrolliert ausbreitet und die Betroffenen mit Cronenbergschen Wucherungen bedeckt, die wie gruseliges weißes Plastik aussehen, das auf Fleisch aufgepfropft wurde. Gerade als der Wissenschaftlerin Fret (Anna Hopkins, „The Expanse“) auf ihrer Suche nach einem Heilmittel ein Durchbruch gelingt, wird sie bewusstlos und wacht nach unbestimmter Zeit auf, angeschlossen an verschiedene Röhren in einer kleinen Kapsel. Die Szene wurde fast ausschließlich in bestrafenden Nahaufnahmen gedreht und könnte bei manchen Zuschauern bedrückende Klaustrophobie auslösen. Nicht, dass der Rest des Films allzu sehr davonkommt. Smith ergänzt die erdrückenden Bilder durch ein aufwändiges Sounddesign mit einer angstauslösenden Mischung aus Quietschen, Gurgeln, Stöhnen, Flüstern, Wimmern und Klirren, die „Tin Can“ mit Kopfhörern durchaus sehenswert machen. Die Erklärungen werden langsam abgegeben – die Idee, dass sich reiche Leute unterkriegen lassen, bis Coral unter Kontrolle gebracht werden kann, ist allzu glaubwürdig –, aber der Film gelingt, indem ein medizinischer Albtraum zum Leben erweckt wird.

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Es gibt eine besondere Art von australischen Filmen – nennen wir sie Dirtbag-Kino –, in denen zwielichtige, gewalttätige Charaktere in Outback-Chaos verwickelt sind und ein verdrehter Sinn für Humor bevorzugt wird. Ein schönes Beispiel für diese Art von Ozploitation ist Kiah Roache-Turners blutige Zombie-Geschichte „Wyrmwood: Apocalypse“, eine Fortsetzung seines „Wyrmwood: Road of the Dead“ aus dem Jahr 2015. Obwohl es technisch möglich ist, den neuen Teil auch alleine anzusehen , werden Sie den Hintergrund einiger Elemente dieser besonderen Einöde verpassen – wie etwa die Existenz von Mensch-Zombie-Hybriden – und werden nicht in der Lage sein, die Bedeutung einiger wichtiger wiederkehrender Charaktere einzuschätzen. Da beide Filme eher kurz sind, wird ein Doppelfilm nicht viel länger dauern als Zack Snyders „Army of the Dead“.

Diesmal führt Rhys (Luke McKenzie) den Angriff an, der den obligatorischen, aufgemotzten SUV fährt und sich fröhlich um sein Gelände kümmert, bis er in die Umlaufbahn des degenerierten Surgeon General (Nicholas Boshier) gerät, der angeblich nach ihm sucht Es handelt sich um ein Heilmittel gegen die Untoten-Epidemie, das aber nichts Gutes im Schilde führt – was Ihnen sofort klar wird, wenn Sie ihn sich ansehen, also kein Spoiler. „Apocalypse“ erfindet zwar nicht das Zombie-Rad neu, aber es ist purer Grindhouse-Spaß.

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Apropos blutgetränkte Grausamkeit: In einem Film, der auf einem Buch von Paul Auster basiert, werden Sie mit Sicherheit keine finden. Und siehe da, diese Adaption seines 1987 erschienenen Romans des argentinischen Regisseurs Alejandro Chomski folgt einem eher klassischen Arthouse-Ansatz: Sie ist größtenteils in Schwarzweiß gedreht und bevorzugt Ellipsen und Mysterium gegenüber reiner Action. Man sollte es jedoch nicht als leichtfertiges Anschauen abtun, denn Chomski ruft ein echtes Gefühl existenzieller Angst hervor. Auf der Suche nach ihrem vermissten Bruder findet sich Anna (Jazmín Diz) in einer zerstörten Stadt wieder, wo Leichen in ein „Umerziehungszentrum“ gebracht werden, wo sie als Brennstoff verbrannt werden. Der Himmel ist ständig grau, gestrandete Schiffe liegen an der Küste und heruntergekommene Einheimische schieben Einkaufswagen voller Krimskrams durch ausgebombte Straßen. Anna quartiert sich für eine Weile bei Sam (Christopher von Uckermann) in einer großen Forschungsbibliothek ein und zieht dann weiter in eine Art großes sicheres Haus, wo Victoria (die wunderbare portugiesische Schauspielerin Maria de Medeiros) sich um Menschen in Not kümmert. Dies ist die Apokalypse als philosophische Chance, das Ende von Büchern und Zivilisation als ein und dasselbe, und Chomski macht das Beste daraus. Es schadet nicht, dass er über ein ausgezeichnetes Gespür für Komposition verfügt, das dabei hilft, eine erschreckend plausible Zukunft vorzuschlagen.

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Der dritte Spielfilm des laotischen Regisseurs Mattie Do wird üblicherweise als Science-Fiction beschrieben, und das ist er auch. Aber der Film hat auch eine lose Vorstellung von diesem Genre, genau wie die beiden vorherigen Filme von Do eine lose Vorstellung von Horror hatten, mit dem sie in Verbindung gebracht wurden. Geister spielen in allen dreien eine herausragende Rolle, und in „The Long Walk“ sind sie in eine Geschichte eingebettet, die ständig zwischen Vergangenheit und Gegenwart, Tod und Leben hin und her springt – die Grenzen sind durchlässig. Der anziehende Yannawoutthi Chanthalungsy, dessen verwittertes Gesicht subtil winzige Veränderungen widerspiegelt, porträtiert die namenlose Hauptfigur, die, wie wir langsam erkennen, durch die Jahrzehnte reisen kann. Die Aktion findet in naher Zukunft statt, wo unter der Haut eingesetzte Mikrochips es den Menschen ermöglichen, die Uhrzeit abzufragen oder Zahlungen zu erhalten. Doch während ein Großteil der semi-futuristischen Science-Fiction oft mit glitzernder Technologie und urbanisierten Schauplätzen in Verbindung gebracht wird, spielt dieser Film in einer ländlichen Umgebung, in der sich der gemächliche Rhythmus des Lebens im fließenden Rhythmus der Geschichte widerspiegelt. Wie der kambodschanische Film „Karmalink“ (mit dem Drehbuchautor Christopher Larsen) ist „The Long Walk“ in eine Kultur und einen Glauben eingebettet, der im westlichen Denken verwurzelte Zuschauer dazu anregt, ihre Annahmen zu überdenken.

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Der aufgeblasene Moderator Ray (Michael Weaver) und der verklemmte Regisseur und Produzent Alan (Tim Griffin) besteigen in der arktischen Stadt Longyearbyen ein kleines Touristenschiff, um eine Folge ihrer Reiseshow zu drehen. Zu ihnen gesellt sich Sean (Justin Huen), der in letzter Minute den üblichen Kameramann des Teams ersetzt und mit einer mysteriösen Metallkiste auftaucht. Kaum hat das Boot den Hafen verlassen, bemerkt Ray einen Vogel mit blutigen Löchern statt Augen; Kurz darauf beobachten die versammelten Touristen, wie ein Walross sein eigenes Kalb brutal tötet. Nur vier Stunden nach Beginn der Reise verschwinden alle an Bord, bis auf die drei aus dem Fernsehen.

Fast alles erhält automatisch einen gruseligen Boost, wenn es in einer gefrorenen, trostlosen Landschaft spielt, aber der Regisseur von „Arctic Void“, Darren Mann, setzte noch einen drauf, indem er vor Ort in Pyramiden drehte, einer sowjetischen Geistersiedlung im Archipel von Spitzbergen. Den Männern dabei zuzusehen, wie sie versuchen, herauszufinden, was vor sich geht, nimmt einen Großteil des Films ein, und Mann schafft es geschickt, die Spannung aufrechtzuerhalten – Alan zum Beispiel wird durch klaffende Wunden, die aus dem Nichts auftauchen, zunehmend außer Gefecht gesetzt. Zuschauer, die Spaß an netten Erklärungen haben, werden am Ende dieses Films wahrscheinlich genervt sein, aber Mann gebührt Anerkennung dafür, dass er bei seiner Sache geblieben ist.

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