David Bowie: Brillantes Abenteuer (1992
1/9 Alben
Diese Box mit Bowies Werken aus den 1990er Jahren – einer Zeit, in der er seine Rolle als Pate der alternativen Musik erneut bekräftigte – enthält das verlorene Album Toy und plädiert für eine kühne, spaltende Ära der Experimente.
Brilliant Adventure (1992-2001), die neueste Ausgabe von David Bowies fortlaufender Reihe von Boxsets, die jede Ära seiner Karriere umfassen, ist ein prägendes Dokument für Fans einer bestimmten Sparte. Über die früheren Jahrzehnte herrscht Konsens: Die 1970er waren brillant, die 80er zunächst brillant, dann langweilig. Im Gegensatz dazu sind die 90er-Jahre nach wie vor ein aktuelles Thema, und die Fans sind sich uneinig darüber, ob Bowie wichtige neue Werke schuf, indem er sich auf vorherrschende Trends einließ, oder sie einfach mitunterzeichnete, in der Hoffnung, dass sich ihr Erfolg auswirken würde. Mit jedem Album, das es sammelt, nimmt es eine kühne Abkehr vom Sound seines unmittelbaren Vorgängers und liefert damit ein unbestreitbares Argument für die frühere Sichtweise: Dieser Bowie ist eine Menge Risiken eingegangen – und diese Risiken haben sich größtenteils ausgezahlt.
Das Herzstück des 18xLP-Boxsets und sein Verkaufsargument ist Toy. Toy, eines von Bowies sprichwörtlich verlorenen Alben, wurde ursprünglich im Jahr 2000 aufgenommen, als Mitglieder seiner Tourband schnell und locker neue Versionen einiger von Bowies frühesten Songs spielten, die größtenteils aus der Zeit vor seinem Ruhm nach „Space Oddity“ stammten. Es spricht sowohl für Bowies Unruhe als Künstler als auch für seine Bereitschaft, im Dienste dieser Unruhe Peinlichkeiten zu riskieren, dass er sich überhaupt noch einmal mit seiner Jugend beschäftigt, geschweige denn, aus dem Projekt eine ganze Platte zu machen.
Das Album ging anschließend in der Planungsverschiebung von Bowies damaligem Label EMI/Virgin verloren, bevor es ganz zurückgestellt wurde. Anstatt sich auf die Absage zu fixieren, widmete sich Bowie einer brandneuen Arbeit, und Toy wurde zu einer Fan-Legende degradiert. Songs aus den Sessions sprudelten als B-Seiten, digitale Exklusivtitel und im Jahr 2011 als vollwertiges Leak heraus; „Brilliant Adventure“ – und das kommende Set „Toy:Box“ – ist das erste Mal, dass dieses Material offiziell als komplettes Album erhältlich ist.
Der resultierende Datensatz ist eine gemischte Mischung. Bowie und seine Band verstehen sich gut: „Es ist der Sound von Leuten, die gerne Musik machen“, wie Co-Produzent Mark Plati es ausdrückt. Aber diese erfahrenen Profis versagen oft beim Material und verlieren den heruntergekommenen Charme der Originale – sie verwandeln den Swinging London, Proto-Reggae-Sound von „I Dig Everything“ in einen protzigen Rocker oder glätten die Ecken und Kanten von aufgemotzten Pillen. Knallige Mod-Tracks wie „You've Got a Habit of Leaving“ und „Baby Loves That Way“. In vielen Fällen klingen die Originalversionen avantgardistischer als die Remakes, obwohl Bowie dazwischen Jahrzehnte in den Art-Rock-Gräben verbracht hat.
Der stärkste Track des Sets ist „Shadow Man“, der erstmals als Demo aus den Ziggy Stardust-Sessions aufgenommen wurde. In dieser Version wird Bowies kräftiger Gesang von Streichern und Mike Garsons Klavier begleitet, was das Lied in eine schöne, lyrische Meditation über unser geheimes Selbst verwandelt; Es profitiert von der Weisheit, die Bowie mit zunehmendem Alter erworben hat. An anderer Stelle harmonieren mitreißende Backing-Vocals mit den Streichern, um „Silly Boy Blue“ ein wunderschönes Outro zu verleihen, während „Toy (Your Turn to Drive),“ der einzige Song, der neu für die Sammlung geschrieben wurde, Schönheit und Pathos aus Garsons Regenklavier hervorholt ein glückseliger, wortloser Hook mit zwei Tönen. Auch wenn „Toy“ hauptsächlich als Vorlage für den neoklassizistischen Rock von Bowies nachfolgenden Alben, „Heathen“ von 2002 und „Reality“ von 2003, diente, sind diese Höhepunkte Ihre Zeit wert.
Die hier neu aufgelegten 1990er-Alben erzählen die Geschichte jedoch am besten. Nach einer Zeit in der Wildnis der Popmusik ist dies das Jahrzehnt, in dem Bowie seine Rolle als Pate der alternativen Musik, in so ziemlich jeder Form, erneut bekräftigte. (Das fehlende Bindeglied zwischen dieser Box und ihrem Pendant aus den 1980er-Jahren, Loving the Alien, sind die beiden Platten, die er mit seiner zu Unrecht verunglimpften Rockband Tin Machine aufgenommen hat; ich sage einfach „Justice for ‚You Belong in Rock n‘ Roll‘“ und gehe Damals wurde Bowie immer wieder vorgeworfen, er sei Trend-Hopping, aus Gründen, die ihm heute immer alberner vorkommen – wer würde nicht gerne hören, wie er es mit Industrial oder Jungle versucht? Dies ist die Art von Genrespiel, die sich zwei Jahrzehnte später mit seinem vom Avant-Jazz geprägten Abgesang „Blackstar“ auszahlte.
Bowies Auseinandersetzung mit den elektronischen und Dance-Sounds der Ära begann mit „Black Tie White Noise“ aus dem Jahr 1993, einem Wiedersehen nicht nur mit dem Let's Dance-Produzenten Nile Rodgers (der sich durch Bowies Weigerung, Hits aufzunehmen, behindert fühlte), sondern auch mit seinem Bandkollegen aus der Glam-Ära, dem Gitarristen Mick Ronson und der Pianist Mike Garson, der noch jahrelang mit Bowie zusammenarbeitete. (Leider starb Ronson kurz nach der Aufnahme des etwas blutleeren Dance-Beat-Covers von Creams „I Feel Free“ und das verlorene Potenzial ihrer Wiedervereinigung ist eines der großen „Was-wäre-wenn“-Probleme in Bowies Karriere.)
Selbst wenn er mit alten Mitarbeitern zusammenarbeitet, weigert sich Bowie, in alte Gewohnheiten zu verfallen. Auf „Black Tie“ meditiert er über sein frischverheiratetes Glück mit Iman – dem Eröffnungsinstrumental „The Wedding“ und seinem lyrischen Nachfolger „The Wedding Song“ – und dem Zustand der Rassenbeziehungen in Amerika: ein Gospel-angehauchtes Cover von Morrisseys Ziggy-Pastiche „I Know It's Going to Happen Someday“ oder das manische Titeltrack-Duett mit New Jack Swing-Sänger Al B. Sure!. Eine Basslinie, die von Liquid Liquids „Cavern“ oder vielleicht von Grandmaster Melle Mels „White Lines“ übernommen wurde, treibt sowohl die „Wedding“-Songs als auch das aufsehenerregende Cover von „Nite Flights“ der Walker Brothers an, wobei Letzteres ein ebenso guter Grund ist wie jeder andere, der sich mit dieser Aufzeichnung beschäftigt.
Mit „The Buddha of Suburbia“ aus dem Jahr 1993 wird es interessant. Das am meisten übersehene Album in Bowies Oeuvre begann als Soundtrack zur BBC2-Verfilmung des gleichnamigen Romans von Hanif Kureishi. Bowie übernahm diese Aufgabe und setzte sie um – schließlich schaffte es nur der Titelsong in den Film – und arbeitete mit seinem langjährigen Multiinstrumentalisten Erdal Kızılçay an einer Suite faszinierend ausgefallener Songs: dem quasi-industriellen „Bleed Like a Craze, Dad“ mit seine witzige Anspielung auf die englischen Gangster, die Krays; das wunderschöne Ambient-Stück „The Mysteries“; das schmerzhaft romantische „Strangers When We Meet“ (neu aufgenommen für Bowies spätere Veröffentlichung 1. Outside) mit seinem wunderschönen „Heel Head Over“-Wortspiel; das treibende, bittersüße „Dead Against It“. Seine Instrumentalstücke und Experimente dienen als klangliche Brücke zurück zum Bowie von Low und „Heroes“ und weisen gleichzeitig den Weg für die kommenden Alben.
Bowies Image als Krachmacher „alternativer Musik“ Mitte bis Ende der 90er Jahre blühte mit 1. Outside aus dem Jahr 1995 richtig auf. Es ist ein Wiedersehen mit Brian Eno, einem Kollaborateur der Berlin Trilogy, und es ist auch die Platte, mit der er zusammen mit Nine Inch Nails aus der Downward Spiral-Ära auf Tournee ging – wodurch Bowie bei jedem schwarz gekleideten Kind der 90er Jahre auf dem Radar stand – und es teilt Trent Reznors gleichzeitiges Talent für Melodie und Chaos . Zwischen Spoken-Word-Tracks, die einen Twin-Peaks-meets-Damien-Hirst-Krimi in der Kunstwelt entfalten, bietet dieses Konzeptalbum melodische Wunderwerke wie „The Motel“ und „Thru' These Architects Eyes“ sowie pulsierende Knaller wie „Hallo Spaceboy“ – ein Live-Set für die kommenden Jahre – und das Soundtrack-Highlight „I'm Deranged“ von Lost Highway. 1. Outsides Konzeptalbum-Einbildung hat seine Kritiker, insbesondere weil der vorgeschlagene zweite und dritte Teil einer neuen Eno-„Trilogie“, die die Geschichte vervollständigt hätte, nie zustande kam. Außerdem ist die Berlin-Trilogie von Low, „Heroes“ und Lodger ein nahezu unmöglicher Film, dem man folgen kann. Aber es ist der Sound von Bowie in seiner hungrigsten Form, der den Kindern unbedingt zeigen möchte, wie es geht.
Bowies kulturbegeisterter Hang und seine Fähigkeit, dauerhafte Porträts einer Zeit und eines Ortes zu schaffen, erreichen in „Earthling“ von 1997 ihren Höhepunkt in den 90er-Jahren. Mit vollwertigen Jungle-Beats in mehreren Titeln ist es auch ein Schaufenster für Reeves Gabrels, den am längsten amtierenden Showboat-Leadgitarristen von Bowie, dessen Sturmböen und aufsteigende Soli dem Album eine anarchische Energie verliehen, die zu Bowies flammenorangenem Haar und seiner Rückkehr passte sein zerfetzter Alexander McQueen Union Jack-Mantel. Einfach ausgedrückt handelt es sich hier um eine Platte voller Knaller, von den Drum-and-Bass-Highlights „Little Wonder“ und „Battle for Britain (The Letter)“ bis hin zum stampfenden „Dead Man Walking“ (eine Hommage an Neil Young und Crazy Horse) und „The Last Thing You Should Do“.
Ironischerweise ist der Anspruch des Albums auf Popkultur-Ruhm in den USA auf eine Version des von Nine Inch Nails neu aufgenommenen Titels „I'm Afraid of Americans“ zurückzuführen, die nicht einmal auf dem eigentlichen Album enthalten ist. Ungeachtet dessen ist Earthling in hohem Maße die Young Americans oder Let's Dance ihrer Zeit, eine kraftvolle Sammlung zeitgenössischer Clubsounds, die nach Bowies Vorbild neu aufgelegt wurden. Es verdient einen Platz im Pantheon neben seinen Vorgängern.
Dann trat Bowie ziemlich plötzlich auf die Bremse. Er schaltete die Experimente aus und drehte die Lautstärke auf „hours…“, seinen überaus sanften – vornehm? – Versuch von 1999. Auch wenn Gabrels zu jedem Lied einen Song schrieb, handelt es sich bei weitem um Bowies mildeste Veröffentlichung des Jahrzehnts, ein Bruch mit der jüngsten Vergangenheit, der durch einen düsteren, langhaarigen Bowie gekennzeichnet ist, der seine frühere Inkarnation mit stacheligem Haar im Pietà-Stil auf der Titelseite wiegt. Der Leadtrack „Thursday's Child“ ist ein melodischer Höhepunkt, und das abschließende „The Dreamers“ ist eine lautstarke Meditation über das Altern mit Bowie in seiner schärfsten Form, aber einem Großteil der Zwischenzeit – dem eintönigen „What's Really Happening“ und Co gedankenloses Streichen der Gesangslinie aus „You Keep Me Hangin‘ On“, des grässlichen Rockers „The Pretty Things Are Going to Hell“ und dessen titelgebender Rückbesinnung auf das deutlich überlegene „Oh! You Pretty Things“ und das von Bowie produzierte Iggy and das Stooges-Schlachtfest „Your Pretty Face Is Going to Hell“ zählt zu Bowies schwächsten Werken.
Abgerundet wird Brilliant Adventure durch zwei umfangreiche Kollektionen. Re:Call 5 ist eine drei CDs umfassende Zusammenstellung von Soundtrack-Beiträgen, B-Seiten, Einzelbearbeitungen und Remixen mit vielen oberflächlichen Radiobearbeitungen und wenigen Remixen oder neuen interessanten Titeln, dem unverwechselbaren Remix von „Hallo Spaceboy“ der Pet Shop Boys. ausgenommen. (Im Ernst, wo sind die Ice Cube- und Photek-Versionen von „I'm Afraid of Americans“?) Das überlegene BBC Radio Theatre, London, 27. Juni 2000 ist eine Doppel-CD-Karriere-Retrospektive derselben Band, die mit Bowie a. gespielt hat ein paar Tage zuvor in Glastonbury und wer würde später mit ihm an Toy arbeiten; Der intime Rahmen funktioniert für die Session-Profis viel besser als das ausgedehnte Festival, trotz Zehntausender Fans.
Könnte der Publikumsliebling Bowie, der die Glasto-Bühne im Sturm eroberte, jemals aufgetaucht sein, ohne zuvor seinen Wanderkatalog aus den 90ern zusammengetragen zu haben? Ich würde sagen, die Antwort ist nein. Einerseits gibt es eine ganze Generation, mich eingeschlossen, die in dieser Zeit ihre ersten Bowie-Platten kaufte, insbesondere wegen ihrer Auseinandersetzung mit den damaligen Underground-Szenen der elektronischen Musik; Zweifellos waren einige von uns im Festivalpublikum. Aber was noch wichtiger ist: Bowie fühlte sich in seiner Haut wohler, indem er erneut die Haut anderer anprobierte. Auf diese Weise beendete er seine Popstar-Zeit in den 80ern, die er größtenteils beklagte, erneuerte sein Selbstvertrauen und ermöglichte es ihm, sowohl neues als auch altes Material mit neuem Elan und Stolz aufzuführen. Wie er es immer in Bestform tat, folgte der Bowie des brillanten Abenteuers seiner Glückseligkeit, wohin sie ihn auch führte.
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