Jedes Radiohead-Album, bewertet

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Die Oxfordshire-Teenager Colin und Jonny Greenwood, Ed O'Brien, Philip Selway und Thom Yorke nannten sich On a Friday, als sie 1985 zum ersten Mal eine Band gründeten. Anfang der 90er Jahre unterschrieben sie bei EMI und benannten sich auf Wunsch des Labels um selbst nach dem Deep Cut der Talking Heads „Radio Head“. Die schmuddelige Outcast-Hymne „Creep“ aus dem Jahr 1993 bleibt ihre bekannteste Single, aber Radiohead etablierte sich später als vielleicht am meisten verehrter Album-Act seiner Generation.

In einer Reihe zunehmend abstrakter und unvorhersehbarer Alben mit Co-Produzent Nigel Godrich wurden Radiohead irgendwie zu Lieblingen der Kritiker und kommerziell erfolgreicher als je zuvor, obwohl sie häufig auf Gitarren und Radiosingles verzichteten. Radiohead entlehnte glitzernde Texturen und eisigen Minimalismus aus der elektronischen Musik und Instrumentierung aus dem Jazz und der Avantgarde-Seite der klassischen Welt und forderte sein Publikum ständig heraus. Trotz alledem bleiben Yorkes wunderschöne Stimme und seine ergreifende, manchmal düster-komische Art, die Welt zu betrachten, ein roter Faden im Katalog von Radiohead.

Radioheads sechstes Album Hail to the Thief wird heute 20 Jahre alt. In einem kürzlichen SPIN-Interview deutete Selway an, dass Radiohead irgendwann in diesem Jahr erneut zusammenkommen werde, um „mit der Suche nach Ideen für das zu beginnen, was als nächstes kommt“. Da ein potenzielles zehntes Album in Arbeit ist, haben wir uns entschieden, die neun Alben, die die Band bisher veröffentlicht hat, in eine Rangliste zu stellen.

Mit 37 Minuten ist „The King of Limbs“ das kürzeste Album von Radiohead. Obwohl Yorkes Tanz im „Lotus Flower“-Video unwahrscheinliche Internet-Memes hervorbrachte, erwiesen sich die zappeligen Rhythmen und trockenen, minimalistischen Arrangements des Albums letztlich selbst für Fans, die Radiohead bei allen bisherigen Neuerfindungen verfolgt hatten, als schwer zu lieben. Als Musikkritiker die besten Alben des Jahres 2011 kürten, überließ Radiohead seinen festen Platz auf den meisten Jahresendlisten weitgehend an neuere Acts wie Bon Iver und St. Vincent. Mehrere gefeierte Nicht-Album-Titel, die später im Jahr 2011 veröffentlicht wurden, darunter „The Daily Mail“ und „Supercollider“, vermittelten das Gefühl, dass „The King of Limbs“ wahrscheinlich besser hätte sein können. Dennoch enthält es Momente von fesselnder Schönheit, die man nicht außer Acht lassen sollte, insbesondere das akustische „Give Up the Ghost“. „Hören Sie es sich oft genug an und Sie werden sich vielleicht selbst davon überzeugen, dass Sie es lieben. Aber machen wir uns nichts vor, dass es mit ihren besten Werken mithalten kann. Das ist es einfach nicht“, schrieb Rebecca Schiller in der NME-Rezension.

Im Jahr 1993 war Radiohead nur eine weitere Pixies-liebende britische Band, die zufällig einen großartigen Leadsänger und drei Gitarristen hatte, die genug laute Tricks im Ärmel hatten, um in eine alternative Radiolandschaft zu passen, die von amerikanischen Grunge-Bands dominiert wurde. Das, was an „Pablo Honey“ am schlechtesten gealtert ist, ist der Titel, der von einem Scherzanruf-Sketch von Jerky Boys inspiriert ist, aber die Musik hier ist etwas besser, als man es oft vermutet. Die Band spielte bereits beim torkelnden Pseudo-Walzer des Openers „You“ mit ungewöhnlichen Taktarten, während „I Can’t“ und „Ripcord“ die Art von aufsteigenden Refrains aufweisen, die die Band auf ihrem nächsten Album, The Bends, meistern würde . „Creep“ hat im Radiohead-Katalog ein kompliziertes Erbe hinter sich, ist aber mehr oder weniger seit Jahrzehnten im Live-Repertoire der Band geblieben (im Gegensatz zu jedem anderen Song auf dem Album), und der Refrain ist immer noch mitreißend. „Das Debüt des englischen Quintetts liefert nicht wirklich etwas, was man noch nie zuvor gehört hat, es orientiert sich zu sehr an Smiths-ähnlichen Melodien und versucht mit aller Kraft, in der Art und Weise, wie The Cure populär wurde, deprimiert zu sein“, schrieb Mario Mundoz in der Los Angeles Times .

Für diejenigen, die die sechssaitige Akrobatik und das Live-Zusammenspiel von Radiohead aus den 90ern vermissen: Hail to the Thief ist das Album des 21. Jahrhunderts, auf dem das gesamte Quintett in einem Raum am häufigsten spielt. Drum-Maschinen und Jonny Greenwoods geliebtes elektronisches Musikinstrument Ondes Martenot tauchen auf, aber die Freude, mit Schlagzeug und Gitarren Krach zu machen, zieht sich durch das Album. Trotz einiger unbestreitbar großartiger Songs wie „There There“ und „Where I End and You Begin“ kann sich die 14 Songs umfassende Sammlung jedoch langatmig und manchmal anstrengend anfühlen. Hail to the Thief wurde von der Band selbst zum Teil heftigsten kritisiert, und 2008 veröffentlichte Yorke auf der Website der Band eine neu geordnete Tracklist, in der vier Songs aus seiner überarbeiteten Version des Albums gestrichen wurden. „Es fühlt sich eher wie eine Band an, die mit einer Vielzahl von Stärken spielt, als wie das formelle Wrestling von Kid A“, schrieb Will Hermes in der SPIN-Rezension des Albums.

Radiohead galt schon immer als seriöses künstlerisches Unternehmen, das seine Alben akribisch mit Vision und Sorgfalt erstellt und sequenziert. Daher war es ein leichter Schock, als die Band die Songs auf „A Moon Shaped Pool“ einfach in alphabetischer Reihenfolge anordnete – was noch erstaunlicher ist, dass sie tatsächlich ziemlich gut fließen. Das neueste Album von Radiohead, das mittlerweile fast sieben Jahre alt ist, enthält mit „The Numbers“ und „Glass Eyes“ einige der bisher anspruchsvollsten Streicharrangements, wobei Greenwood geschickt auf seine Erfahrung bei der Filmmusik für Paul Thomas Anderson mit dem London Contemporary Orchestra zurückgreift. Es endet mit der ersten offiziellen Studioveröffentlichung von „True Love Waits“, einem legendären Song, den die Band 1995 zum ersten Mal live aufführte und über zwei Jahrzehnte hinweg viele Male versuchte aufzunehmen, bis sie sich schließlich für ein Klavierarrangement für A Moon Shaped Pool entschied. „Während des gesamten Albums wird Yorkes alltägliche Erleuchtung durch Musik voller Weite und Hingabe untermauert. Die Gitarren klingen wie Klaviere, die Klaviere klingen wie Gitarren und die Mixe strahlen eine pastorale Ruhe aus“, schrieb Jayson Greene in der Pitchfork-Rezension des Albums.

Ein Teil der Mystik der Ankunft von Kid A im Jahr 2000 war das Versprechen, im folgenden Jahr ein Begleitalbum zu veröffentlichen. Viele spekulierten, dass Radiohead konventionellere Rocksongs für den Nachfolger aufgehoben hatte, zumindest bis die Band anfing, meditatives, klavierbetontes Material wie „You and Whose Army?“ anzuhören. und „Pyramid Song“ im Konzert. Amnesiac enthielt letztendlich einige großartige, von der Gitarre getragene Songs wie „I Might Be Wrong“ und „Knives Out“, was natürlich der einzige Radiohead-Song ist, nach dem eine Reihe erfolgreicher Mystery-Filme benannt ist. Aber das Album ist größtenteils genauso asketisch und elliptisch wie sein Vorgänger, vom glitzernden Minimalismus von „Packt Like Sardines in a Crushd Tin Box“ bis zu den Reverse-Tape-Effekten von „Like Spinning Plates“. „Amnesiac schafft eine raffinierte und lohnende Balance zwischen Experimentieren und Qualitätskontrolle. Es ist kaum leicht zu verdauen, aber auch nicht unmöglich zu schlucken“, schrieb Alex Petridis in der Rezension des Albums im Guardian.

Im Jahr 2007 war die Umwälzung der Musikindustrie durch die Napster-Ära in vollem Gange, die traditionellen physischen Verkäufe gingen stark zurück und iTunes war der König. Radiohead, das seinen EMI-Vertrag abgeschlossen hatte und zum ersten Mal ein bekannter Free Agent war, lehnte die Unterzeichnung eines neuen Labelvertrags ab und entschied sich für eine große Geste. Im Oktober kündigte eine der beliebtesten Bands der Welt an, dass sie in einer Woche ein neues Album ohne vorherige Singles oder Videos auf ihrer Website als kostenpflichtigen Download veröffentlichen werde. Nachdem sich der Staub gelegt hatte und die unorthodoxe Einführung die Branche aufrüttelte, wurde die Musik von „In Rainbows“ zu ihrem wahren Vermächtnis. „15 Steps“ und „Reckoner“ wirbeln und knallen mit abenteuerlichen neuen Herangehensweisen an Rhythmus und Percussion, und das brodelnde „Weird Fishes/Arpeggi“ hat sich im letzten Jahrzehnt zum beliebtesten Track der Band des 21. Jahrhunderts entwickelt. „Es gibt sogar Momente, die beinahe romantisch sind, eine seltsame Wirkung für eine Band, die sich so gut mit klinischer emotionaler Distanz auseinandergesetzt hat. „All I Need“ verwendet einen 80er-Jahre-Synthesizer-Touch, um die schreckliche Seite der Liebe zu erforschen, und „House of Cards“ wird fast sexy „, schrieb Josh Modell in der AV Club-Rezension des Albums.

Du musstest wirklich da sein. Tatsächlich war es eine Offenbarung, dass die Band, die „Creep“ gemacht hat, in der Lage war, ein Album mit einem Song wie „Planet Telex“ zu eröffnen, dessen atmosphärisches Rauschen einen Drum-Loop und bearbeitetes Klavier einleitete. Vom prahlerischen „Just“ bis zum eindringlichen „Street Spirit (Fade Out)“ ist The Bends Radioheads einflussreicher Höhepunkt als Gitarrenband. Es ist vielleicht nicht der Grund, warum Radiohead heute die Hallen füllen kann, aber indirekter ist es wahrscheinlich der Grund, warum Coldplay und Muse es können. Die Radiohead-Ästhetik, wie wir sie kennen, nimmt auf „The Bends“ wirklich Gestalt an, dem ersten Album mit Beiträgen des Cover-Art-Designers Stanley Donwood und des Produzenten Nigel Godrich. Das Album festigte das kommerzielle Ansehen der Band in Großbritannien, doch in Amerika war „The Bends“ ein Einschläfern-Hit, der von den meisten Printkritikern zunächst abgelehnt wurde. „Radioheads überdrehte, pompöse Musik lässt sie wie die Antwort des Alternative Rock auf den Moody Blues klingen“, schrieb Kevin McKeough in der Chicago Tribune.

Im Nachhinein ist es seltsam, wie wenig Radiohead wirklich vom Alternative-Rock-Status Quo abweichen musste, um eine Generation von Musikhörern zu begeistern und zu skandalisieren. Die Bläser, die sich über einer grollenden Basslinie bei „The National Anthem“ entfalten, das bezaubernde 5/4-E-Piano-Riff bei „Everything in Its Right Place“ und der treibende Dance-Beat bei „Idioteque“ bieten robuste, greifbare Hooks und Riffs. Aber die am meisten verehrte Rockband der Welt, die bis zum vierten Song ein Album ohne erkennbare Gitarren veröffentlichte, wurde als Provokation betrachtet, die ebenso viele abstieß wie anzog. Sogar Selway, der bis zur Hälfte von „Optimistic“ wartet, um eine Snare-Drum anzuschlagen, fühlt sich wie ein Moment sorgfältig kalibrierter Zurückhaltung an. Das Selbstvertrauen, mit dem Radiohead und Godrich diese Entscheidungen trafen und bis ins kleinste Detail ein Ohrenschmaus schufen, der bei jedem Hören neue Texturen offenbart, machte „Kid A“ zu einem fesselnden und charismatischen Event-Album, auch wenn es sich vom Pop-Zeitgeist entfernte. „Vieles von Kid A klingt überhaupt nicht nach Radiohead. Die Songs schweben mit den leisesten Herzschlägen vorbei, intergalaktische Geräusche streifen wie Kometen über die Melodien. Kirchliche Keyboards treiben die Songs sanft voran“, schrieb David Browne in der Rezension von Entertainment Weekly .

Mitte der 90er Jahre war Alternative Rock zu Popmusik geworden, und Radiohead verbrachte einen Zeitraum von 1995 und 1996 mit zwei der größten Tourneen der Ära, als Vorgruppe für REM zur Unterstützung von Monster und Alanis Morissette zur Unterstützung von Jagged Little Pill. Dann ging die Band nach Hause und nahm ein anspruchsvolles und ehrgeiziges Album auf, das sich sicherlich nicht so gut verkaufen würde wie „The Bends“, wobei sie einige zugängliche Songs wie „Lift“ und „True Love Waits“ zugunsten von facettenreichem Material wie dem Sechs-Minuten-Album zurückstellte Lead-Single „Paranoid Android“. Stattdessen war OK Computer ein Welthit und wurde zu einem der gefeiertsten Alben des Jahrzehnts, das die ganze Schönheit von Yorkes Stimme mit fesselnd unvorhersehbaren Arrangements und unheimlichen Texturen einfing, die nicht klangen, als wären sie aus Gitarren und Gitarren gezaubert worden Tastaturen. Die Roboter, Außerirdischen und die dystopische Karma-Polizei, die die Songs bevölkern, veranlassten viele Kritiker, Radiohead in das Pantheon britischer Konzeptalbum-Könige wie Pink Floyd und David Bowie einzuordnen. OK Computer ist jedoch weniger eine Rockoper als vielmehr ein Moodboard der Art neuer Empfindungen und vertrauter Emotionen, die das Rock-Songwriting im kommenden digitalen Zeitalter prägen würden. „OK Computer ist ein Drahtseilakt ohne Netz. Es gibt keine offensichtliche Single, die Texte ergeben keinen unmittelbaren Sinn, die meisten Titel sind zu langsam, verzerrt oder seltsam für das Radio und das Ganze klingt wie nichts.“ „Das verkauft sich. Und doch ist die kühne Klangausuferung dieses britischen Quintetts die ansprechendste und seltsamste Leistung einer namhaften Rockband seit langem“, schrieb Barry Walters in der SPIN-Rezension.

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